Le Jugement dernier de Michel-Ange : style, composition et iconographie

Le Jugement dernier

• Chronologie : De 1534 à 1541.
• Style : Style Renaissance, au cours du Cinquecento.
• Auteur : Michel-Ange.
• Technique : Fresque.
• Support : Mur.
• Lieu : Chapelle Sixtine du Vatican (Cité du Vatican).

1. Consolidation de la technique de peinture à l'huile et origine flamande de nouveaux médias tels que la toile. 2. Les figures se rapportent aux yeux et aux mains. 3. Utilisation du clair-obscur (définit les contours des figures éclairées par d'autres zones ombragées). 4. Léonard de Vinci introduit le sfumato et la perspective scientifique. 5. Michel-Ange insiste sur le concept de terribilità à la Chapelle Sixtine.

• Michel-Ange étudie attentivement tous les détails et prépare avec soin les dessins de chaque personnage. L'artiste, qui n'était pas un peintre et ne voulait pas l'être, compose ses figures selon une conception sculpturale avec une grande précision et un détail issus de sa connaissance du corps humain. Le résultat est une figure d'une évolution naturelle, d'une spiritualité invisible jusque-là et d'une grande densité de dessin. Les figures sont énormes, puissantes, énergiques, terribles ; la terribilità est le reflet exact de l'auteur. Leurs positions sont contraintes, tordues, asymétriques, et montrent toujours un état de tension totale. Cette tension est ce qui exprime cette anxiété générale et cette agitation, si caractéristiques du maniérisme.

Il a sollicité de nouvelles ressources, en particulier l'observation des œuvres des maîtres du passé comme Giotto et Masaccio, les modèles de sculptures grecs et romains, ainsi que l'étude de l'anatomie humaine.

La couleur est également maniériste. Si le plein classicisme peignait avec des couleurs douces à la recherche de l'harmonie, le maniérisme privilégie les couleurs opposées et les tons bariolés pour aiguiser le sentiment d'indignation et d'inquiétude. La lumière, soudaine et violente, crée des contrastes de clair-obscur qui animent encore plus les compositions, les rendant mouvantes et agitées.

Michel-Ange a utilisé jusqu'au dernier coin du mur, qu'il a transformé en un ciel indéfini et illimité. Il n'y a qu'un seul élément : le corps humain, magnifié et allongé. L'œuvre trahit une profonde fascination pour l'anatomie, que Michel-Ange a recréée dans les moindres détails : les tendons, les bras bien tournés, les torses larges, les jambes en tension... Ici et là se trouvent plusieurs éléments, comme des mains très expressives, le tout réalisé avec une conception entièrement sculpturale. Les figures représentées ne sont pas des hommes ou des femmes, mais des abstractions qui ne peuvent exister dans le monde réel. Les plus de 400 figures — dont certaines mesurent 250 cm — semblent se déplacer lorsqu'on les regarde avec attention. Les points fixes disparaissent et la peinture semble s'écouler dans toutes les directions.

Composition et sentiments

La composition n'est pas aussi variée que celle de la voûte et ne reflète pas des sentiments aussi élevés, probablement en raison du sujet, mais aussi d'un certain goût pour la déception propre à l'artiste sexagénaire. Bien qu'il n'y ait pas de place en enfer, de nombreuses personnes s'y rassemblent, tandis qu'au ciel, on ne trouve que quelques élus.

Au milieu du tableau, le Christ, avec l'apparence d'un magnifique Jupiter, dirige le mouvement des âmes. La Vierge, effrayée, semble prier pour le salut de certains mortels.

Bien que les groupes de personnes soient complètement isolés les uns des autres, ils participent à l'allure générale de l'ensemble et forment un tourbillon qui tourne autour de la figure centrale et imposante du Christ, inspirant la peur.

L'idée de l'œuvre laisse transparaître les influences de Dante et de la mythologie classique, notamment avec Charon passant sa barque vers la bouche de l'enfer. Dans cette interprétation très personnelle du thème, Michel-Ange a pris comme références les Saintes Écritures et le Dies Irae de Frère Thomas de Celano.

Iconographie

L'œuvre montre que le temps de la vérité est venu, où le Christ évalue les mérites de chacun et dirige les hommes vers le ciel ou l'enfer. À la droite de Dieu se trouvent ceux qui montent au ciel ; ils n'y parviennent pas facilement, mais avec beaucoup d'efforts et en s'aidant les uns les autres. À gauche se trouvent les damnés : orgueilleux, luxurieux, escrocs, égoïstes et autres pécheurs désespérés, qui sont jetés par les anges vengeurs dans les différents cercles de l'enfer.

Signification de l'œuvre

Plus de la moitié du mur, au sommet, est occupée par le monde céleste, avec le Christ juge et la Vierge à ses côtés. En formant le premier anneau, on peut voir, à gauche, les patriarches récupérés des limbes avec Adam, le premier homme, et à droite, les martyrs avec les instruments de leur supplice. Au-delà, il y a un autre anneau avec les confesseurs de l'Église, la Sainte Vierge et d'autres saints.

Aux pieds du Christ se trouvent deux martyrs : Saint Barthélemy, qui tient sa peau, et Saint Laurent, sur la gauche. Saint Barthélemy, tenant la peau qui lui a été arrachée lors de son tourment, arbore le visage de Michel-Ange. Le saint semble interroger le Christ sur la destination finale de l'artiste : sera-t-il jeté en enfer ou sauvé ?

Dans les lunettes, deux groupes d'anges sans ailes soutiennent, avec un effort explicite, les symboles de la Passion. C'est la réponse évidente à la colère et la certitude que le sacrifice du Christ n'a pas servi à grand-chose pour beaucoup. Ce qui se passe est terrible, si bien que même la Vierge n'ose pas regarder et détourne son visage, effrayée.

Plus bas, aux pieds du Christ, une multitude d'anges jouent de la trompette du Jugement. Sur la gauche, les morts se lèvent de leurs tombes et, sur un plan supérieur, les élus montent au ciel avec beaucoup de difficulté. Vient ensuite, à la même hauteur, la chute des damnés en enfer. Les redoutables anges vengeurs sont chargés de pousser les malheureux vers la Terre, où ils tombent entre les mains des démons qui les traînent, contre leur gré, vers l'enfer.

Fonction

La fonction de la peinture est de décorer le mur situé derrière l'autel de la chapelle Sixtine.