L'Art Baroque : Peinture en Italie, Flandre et Pays-Bas

Introduction au Baroque

Le Baroque naît à la fin de la gestation du XVIe siècle et s'étend jusqu'au XVIIIe siècle. Né en Italie, il se répand de là dans toute l'Europe. Ce style est le fruit d'une période de crise. L'art est brillant et flamboyant, exprimant la puissance des grands rois et la situation prospère du catholicisme. La variété de l'élévation du Baroque découle des contextes socio-économiques, politiques et religieux : il fut un instrument de propagande pour la cour baroque catholique de l'Église et de l'État absolu (Italie, France, Espagne), tandis qu'un autre Baroque, bourgeois et protestant, se développait ailleurs (Angleterre et Pays-Bas).

1) La peinture baroque en Italie

Les techniques utilisées sont la peinture murale (fresque) et l'huile sur toile. Le coup de pinceau varie selon l'auteur, mais a tendance à être lâche et ouvert. La ligne perd de son importance au profit de la couleur dominante sur le dessin, où les taches définissent les formes. Le modelé tend à être très théâtral avec des contrastes violents.

• Profondeur : La peinture baroque semble posséder trois dimensions. Le sens de la profondeur est réalisé par des lignes convergentes, des raccourcis au premier plan sombre et des jeux de lumière.
• La lumière : Elle joue un rôle très important. Le Baroque est l'art de capter la lumière imagée, c'est pourquoi l'ombre joue un rôle sans précédent à cette époque, en particulier dans le ténébrisme. La forme est soumise à la lumière et peut se détériorer selon la force ou la faiblesse du scintillement lumineux.
• Composition asymétrique : La symétrie de la Renaissance est perdue. Le déséquilibre est préféré et réalisé par des lignes diagonales ou des formes indiquant que tout ne rentre pas dans le cadre (images qui ne semblent pas entièrement peintes). La diagonale apporte une première impression de dynamisme, renforcée par des figures en raccourci et des ondulations instables.
• Naturalisme et réalisme : Les formes et expressions sont naturalistes. Les thèmes sont variés et réalistes, mettant l'accent sur la peinture de genre, les natures mortes et les paysages comme nouveautés.

À la fin du XVIe siècle, l'Italie connaît le travail de deux artistes qui donnent du caractère à la peinture européenne de la première moitié du XVIIe siècle : Le Caravage et Annibale Carracci.

Le courant classique de Bologne

À Bologne se développe un courant qui rejette les formes trop idéalisées, mais aussi la réalité immédiate et ses imperfections. On peint les choses non comme elles sont, mais comme elles devraient être, à la recherche de l'idéal de beauté. Ces artistes s'intéressent à la nature et créent des paysages d'une grande beauté et d'équilibre. Bien que le régime de la quadratura ait été utilisé par Michel-Ange, ce sont les maîtres de Bologne qui l'ont consacré. Les Carracci ont créé une Académie pour fournir aux artistes une préparation technique, littéraire et humaniste afin d'enrichir leurs compétences. Annibale Carracci (1560-1619) représente la plus haute qualité. Son chef-d'œuvre est la décoration de la grande salle du Palais Farnèse.

Guido Reni (1575-1642)

Il s'agit d'un suiveur important des Carracci et du courant classique. Son travail sur Hippomène et Atalante est particulièrement remarquable.

Le Caravage et le naturalisme

Figure stellaire de l'histoire de la peinture, il fut un artiste flamboyant et violent. Il puise dans tous les types de compositions, des motifs mythologiques aux sujets religieux, sans idéalisation. Cette procédure est très efficace car l'Église chrétienne est facile à reconnaître dans ses tableaux. Les saints sont des hommes ordinaires, rendant le chemin de la sainteté et les épisodes évangéliques facilement compréhensibles. Cette vulgarité excessive des types fut la raison pour laquelle certaines œuvres furent rejetées.

Avec l'accent mis sur le réel, il utilise une ressource importante : le ténébrisme. En présentant les personnages et les objets sur un fond sombre et en les mettant en évidence avec une lumière vive et violente, comme un projecteur de théâtre, il rend les gestes et les objets clairs, les plaçant sur une sorte de scène. Il ignore le paysage sombre mais apprécie grandement la nature morte. Dans ses œuvres, la psychologie des personnages est aussi importante que les compositions. Il a peint des natures mortes et des types populaires, mais ses chefs-d'œuvre sont de grands tableaux religieux où la vulgarité volontaire des modèles ne supprime pas la grandeur et l'émotion : La Vocation de saint Matthieu, Le Martyre de saint Matthieu, La Conversion de saint Paul, Le Martyre de saint Pierre, La Mort de la Vierge...

La peinture baroque en Flandre et aux Pays-Bas

Le développement de la peinture aux Pays-Bas est marqué par l'influence sociale, économique, politique et religieuse. La réforme religieuse a entraîné une séparation complète entre un quartier catholique, aristocratique et monarchique sous domination espagnole (Flandre), et un autre protestant, démocratique et bourgeois (Pays-Bas), reflétant des idéaux artistiques distincts.

La peinture flamande

Les grandes peintures religieuses d'autel se multiplient, insistant sur la vie des saints et les sacrements que les protestants rejettent. Les thèmes mythologiques sont également représentés à grande échelle pour décorer les palais royaux et la haute noblesse. Le portrait a un ton lourd et solennel, soulignant le statut élevé du modèle.

• Van Dyck (1599-1641) : Peintre de l'aristocratie, il sait composer des portraits flatteurs avec un cachet distinctif. Il attache une grande importance à l'habillement, aux formes minces et aux figures élégantes. On retient notamment son portrait de Charles Ier d'Angleterre.
• Jordaens (1593-1678) : Suiveur de l'influence de Rubens, il préfère les thèmes populaires au ton humoristique, comme dans Le Roi boit.

Peter Paul Rubens (1577-1640)

C'est la figure la plus importante de la peinture en Flandre. Son œuvre respire le dynamisme, la vitalité et l'exubérance. Sa couleur est chaude, apprise des Vénitiens. Ses compositions sont disposées sur des diagonales qui donnent une impression de mouvement prolongé au-delà du cadre. Les corps virils et musclés ou les modèles féminins épais, charnus et sensuels sont regroupés dans un rythme turbulent de formes torsadées. Rubens travaille avec habileté dans tous les genres.

En tant que peintre religieux, il a créé de grandes compositions d'une spectacularité extraordinaire au service de l'Église triomphante : L'Érection de la Croix et La Descente de la Croix. Parmi ses peintures d'histoire, on souligne la série de Marie de Médicis, composée de vingt-et-une toiles. Maître de l'interprétation mythologique, il traite la sensualité des dieux dans Les Trois Grâces, Le Jardin d'amour, Le Jugement de Paris et La Toilette de Vénus. Il a également travaillé le portrait de cour, comme celui du Duc de Lerma.

La peinture néerlandaise

Ici, les retables religieux disparaissent complètement au profit du culte des images. Les images religieuses sont de petite taille, destinées à être contemplées dans les chambres de la bourgeoisie. Les thèmes mythologiques sont rares, sauf intention allégorique ou moralisatrice. Le portrait prend un ton d'intimité, de simplicité et de réalisme. Le trait caractéristique est le réalisme des genres, adapté au goût bourgeois pour les petits formats décorant les maisons, loin du luxe des palais. On y trouve des scènes d'intérieur domestiques, des animaux, des paysages purs et des natures mortes.

• Frans Hals (1580-1666) : C'est le portraitiste le plus intime de sa génération, interprétant la vivacité et la joie néerlandaises. Il cristallise le portrait de groupe, comme Les Régents de l'Hôpital de Haarlem. Ses portraits individuels, comme La Gitane, sont également célèbres.
• Vermeer de Delft (1632-1675) : Le grand maître du genre intérieur néerlandais. Ses peintures sont d'une simplicité extraordinaire. La lumière et la beauté des couleurs, avec une technique presque pointilliste, en font un artiste moderne et audacieux.
• Rembrandt Van Rijn (1606-1669) : Le caractère le plus complexe de l'art hollandais. Véritable génie dans tous les domaines (portrait, paysage, intérieur, peinture religieuse et mythologique), il est l'un des plus grands créateurs de tous les temps. Son style repose sur le contraste entre lumière et ombre, mais contrairement au Caravage, la frontière entre les deux est mystérieuse et dorée. Le Bœuf écorché est l'une de ses natures mortes les plus brillantes. Sa série principale est composée de portraits individuels et collectifs. À travers ses nombreux autoportraits, il étudie la lumière et les expressions faciales. On lui doit des portraits de groupe au ton dramatique comme La Leçon d'anatomie et le mystérieux La Ronde de nuit, confié par les mousquetaires d'Amsterdam. Son chef-d'œuvre, Le Syndic des drapiers d'Amsterdam, est une composition unitaire pleine de vie intérieure puissante, tendant vers un plus grand idéalisme.