L'œuvre poétique et théâtrale de Federico García Lorca

Forme et style de la poésie de Lorca

Forme et style : Tout cela est exprimé dans une langue d'une grande force expressive, capable de restituer admirablement chez le lecteur la même expérience de Poète à New York. On a souvent parlé des relations de ce livre avec le surréalisme ; en dépit d'une incompatibilité rare, il s'y trouve des métaphores élaborées, profondes et persistantes, selon les canons du baroque, mais d'une extrême précarité. L'empreinte surréaliste se manifeste chez le poète par un cri de révolte radicale visant à aiguiser la conscience sociale.

Face au mètre régulier des livres précédents, Lorca donne désormais la préférence aux vers libres, bien que l'assonance et la rime des chœurs survivent dans certains textes. Dans les livres suivants, Lorca cultive une sorte de poésie qui se connecte avec lui-même et se fait plus érotique. Aussi, bien qu'il n'ait pas entièrement abandonné la versification libre, il adopte de nouveaux schémas métriques réguliers.

Nouvelles aventures poétiques

Avec le Divan du Tamarit, stimulé par la lecture des poèmes arabo-andalous (que venait de traduire E. García Gómez) et sa connaissance ancienne de la poésie arabe, il tente une nouvelle aventure poétique. Notez, cependant, que le livre a peu à voir avec le point de vue superficiel et l'exotisme de l'Orient qu'ont laissés de nombreux Européens depuis les poètes romantiques. Si l'on réduit le côté fortement sensuel, Lorca reste fidèle à ses obsessions habituelles.

Dans le Chant funèbre pour Ignacio Sánchez Mejías, l'un de ses poèmes les plus parfaits, Lorca rend hommage à son ami, le torero décédé en 1934. Bien qu'il existe des allusions au monde de la tauromachie, Lorca, qui a toujours refusé de traiter directement avec ce milieu, évite les interprétations folkloriques et les éléments pittoresques au profit de dimensions philosophiques. Dans les quatre parties qui le composent, tout est subordonné à la présentation, au milieu d'une atmosphère surréaliste, d'un personnage mythique et exceptionnel qui porte la mort, le néant.

Ce qui est le plus remarquable, en dehors de l'extraordinaire qualité du langage poétique, est la parfaite adaptation du sentiment élégiaque aux métriques exprimées par le poète. Les Sonnets de l'amour obscur appartiennent à la tendance néo-formaliste de la poésie espagnole de ces années-là, qui deviendra plus prononcée au début de la décennie quarante. Dans les poèmes qui ont été préservés, bien que l'érotisme soit présent comme dans le livre précédent, il y a une expérience de l'amour plus spirituelle. C'est probablement parce que, comme l'a souligné Miguel García Posada, ces sonnets célèbrent l'amour et consomment une relation amoureuse durable. La détresse et l'anxiété à l'idée de perdre cet amour constituent l'une des questions dominantes.

Le théâtre de Lorca

Le désir de Lorca de s'adresser à la scène vers les années 30 l'amène vers une littérature plus sincère, plus incorporée dans ses propres conflits et les problèmes de l'homme en général, trouvant une réponse adaptée dans le drame. Dans le théâtre de Lorca, il y a deux plans opposés de l'existence : un cadre intime et subjectif (libre, lyrique) et l'autre externe (de répression dans son conformisme).

Dans ses pièces de théâtre, Lorca suggère que la transgression de ces règles est le seul moyen de libérer une réalité conventionnelle, mais la résolution du conflit dramatique est toujours claire : la rupture de ces règles implique la mort, la solitude ou la frustration. C'est le thème de ses grandes pièces des années trente. Auparavant, Lorca a donné naissance à un certain nombre de pièces qui annonçaient les possibilités futures de ses œuvres.

Évolution de l'œuvre dramatique

• Mariana Pineda (1925) : présente des similitudes avec le drame en vers, au traitement romantique et au thème historique.
• La Savetière prodigieuse (1926 et 1933) : où existe déjà un conflit né du désir et de la réalité.
• Doña Rosita la vieille fille ou le Langage des fleurs (1935) : présente un personnage frustré vivant un amour en dehors de la morale.
• Le Public (1930) : pièce surréaliste dont les symboles et les images sont audacieux, avec des références claires à l'homosexualité.

La trilogie dramatique de la terre espagnole

Ses meilleures pièces développent le thème de l'opposition entre le désir et les forces répressives :

• Noces de sang (1933) : la plus vitale, un théâtre vivant de l'amour impossible entre Gitans.
• Yerma (1934) : tragédie de l'amour contrarié, drame d'une femme infertile dont le désir d'enfant se transforme en haine irrationnelle envers son mari. Le poids de l'action repose sur la protagoniste, tandis que les autres personnages agissent comme un chœur tragique.
• La Maison de Bernarda Alba (1936) : sans doute la meilleure des trois, car elle présente un aspect plus réaliste et social, engagé envers la société de son temps.

La Maison de Bernarda Alba met en scène une femme autoritaire, veuve pour la seconde fois, et ses cinq filles cloîtrées pour garder un deuil rigoureux. Toute l'action se déroule dans cette maison silencieuse. Le monde extérieur est représenté par Pepe el Romano, l'objet du désir de toutes les filles. Seule Adela, la plus jeune, parvient à la rébellion contre l'autorité et les conventions de sa mère. L'œuvre se termine par la mort.