Peinture romane : fresque, tempera et devants d'autel

Peinture murale

Les artistes utilisaient le mur comme support, principalement avec deux techniques : la fresque, la plus largement utilisée, et la tempera. Dans les deux cas, il était nécessaire de préparer la surface avant d'appliquer la couleur. Le mur était couvert d'un mélange de sable et de chaux. Dans le premier cas, il est essentiel que le plâtre soit « frais », d'où le nom de la technique. Pour ce faire, la surface était recouverte chaque jour de travail d'une nouvelle couche de sable fin et de chaux beaucoup moins vive. L'artiste devait réaliser les travaux rapidement pour empêcher le plâtre de sécher. Dans la technique de la tempera, une couleur de fond était appliquée, généralement de couleur claire, et les grandes lignes étaient fixées à l'aide d'ocre rouge ou noir. Ensuite, les couleurs étaient appliquées, produites par le maître lui-même à partir de terres naturelles. Nous avons trouvé des fresques dans les nefs et les absides des temples. Seules celles des églises les plus humbles ont été conservées, car les plus importantes ont été révoquées puis réformées, de sorte que les groupes d'images ont disparu.

Principales influences

Les sources principales sont :

• La mosaïque byzantine, dont on reprend les lignes épaisses et hiératiques qui décrivent les silhouettes.
• Les vignettes des codex mozarabes, dont on reprend la stylisation du dessin, les plis parallèles et bombés et les traits expressifs.

Caractéristiques principales

• Style non naturaliste, schématique, conventionnel et symbolique car, comme dans la sculpture, il vise à représenter des expériences religieuses et non la beauté formelle et les formes réelles. Les figures sont plates, l'anatomie est reflétée de manière sommaire, les costumes sont des représentations schématiques. Le visage est simplifié, soulignant les lignes qui décrivent les yeux et le nez, la bouche et les sourcils.
• Maintien de la hiérarchie de l'espace et des formes, de sorte que la scène principale est au centre et les figures les plus importantes sont représentées avec une plus grande taille. Les figures suivent la loi d'adaptation au cadre et sont réparties en fonction des places disponibles.
• Peinture murale prédominante, mais la peinture sur bois apparaît également. En général, la peinture est soumise à l'architecture et couvre les murs, les dômes, les absides et les voûtes.
• Utilisation d'une ligne de contour noire pour délimiter les formes et séparer les figures de chacune des surfaces chromatiques, ce qui lui donne un aspect plat et très expressif.
• Manque de profondeur, de lumière et de paysage. Les figures sont disposées dans des positions parallèles, remplissant le plan, et le fond monochrome souligne les formes géométriques. Elles sont à l'avant et il n'y a aucune communication entre elles.

Thèmes et écoles régionales

Le thème est très semblable à celui de la sculpture. Dans l'abside apparaissent généralement le Pantocrator entouré du tétramorphe, des anges ou des saints, ou Marie comme trône de Dieu. Sur les murs latéraux apparaissent généralement les apôtres et les saints disposés en frise, encadrés par des frises ou des ornements géométriques (souvenir des mosaïques byzantines).

Deux écoles en Espagne

• Catalogne : Influencée par l'art byzantin et franc, elle utilise la tempera. La palette de couleurs est plus large que dans la fresque. On peut citer les fresques de San Quirce de Pedret, de Sainte Marie de Tahull et de San Vicente de Tahull, remarquables par leur dessin, la qualité des couleurs et la capacité à géométriser les figures.

• Castille : L'expressivité et les nuances naturalistes de la miniature mozarabe sont héritées par les peintres romans du XIIe siècle. En Castille, contrairement à la Catalogne, la répétition des types et des formules est évitée. L'artiste est plus libre, la palette catalane disparaît. C'est une peinture plus « réaliste », moins symbolique que la catalane, allant jusqu'à faire de chaque occasion une esquisse du paysage. Les collections de peintures les plus remarquables sont celles de San Baudelio de Berlanga (Soria) et les fresques de Maderuelo Vera Cruz (Ségovie). L'ensemble castillan le plus important est le Panthéon de San Isidoro de León, avec six dômes peints de scènes narratives. On y remarque la spontanéité, l'indépendance des personnages par rapport à l'espace architectural, le mouvement, l'introduction légère du paysage, la richesse des couleurs, etc.

Peinture sur bois : le devant d'autel

Les devants d'autel sont des panneaux rectangulaires avec des scènes peintes qui étaient placés devant l'autel. Ils servaient à représenter des tableaux relatifs aux saints, au Christ ou à la Vierge, et à raconter leur vie afin que les fidèles puissent les connaître à travers des images. Le devant est divisé en sections qui reflètent les différentes scènes. On y retrouve la symétrie et la hiérarchie, comme on le voit sur le devant de la cathédrale d'Urgell et d'Avia. Dans le compartiment central est placé le Christ en majesté avec une double mandorle. Sur les côtés, des groupes d'apôtres tournent la tête et regardent le Pantocrator.