Analyse Détaillée : Le Prophète de Pablo Gargallo et Éros et Psyché de Canova

Le Prophète de Pablo Gargallo (1933)

Titre : Le Prophète ; Auteur : Pablo Gargallo, Date : 1933. Type : gratuit ; Matériaux : Bronze, Style : cubiste ; Thème : la religion ; Lieu : Museo Nacional de Arte Reina Sofía.

Contexte et Influences

Pablo Gargallo émigra avec sa famille en 1888. Là, il étudia à l'École des Beaux-Arts et fut associé aux architectes modernistes et aux artistes qui fréquentaient le café "Les Quatre Tasses". Le modernisme influença grandement ses sculptures au début. En 1903, il se rendit à Paris où il entra en contact avec l'avant-garde parisienne, et surtout Picasso, ce qui entraîna un changement dans son travail. Le sculpteur se rapprocha du cubisme et de l'expressionnisme.

Description de l'Œuvre

Les sculptures métalliques minces créées par Gargallo se caractérisent par l'interaction entre le volume et le vide.

Analyse Formelle du Prophète

Le Prophète est considéré comme l'œuvre principale de ce sculpteur aragonais. Il représente une figure humaine faite de plaques de métal découpé, structurée autour d'un axe central formé par la tête, la colonne vertébrale et la jambe gauche. De cet axe partent les différents points du corps, faits entièrement de feuilles de métal qui se développent dans le vide, de sorte que l'air devient une partie intégrante de la sculpture. Cet écart permet un jeu très intéressant de formes concaves et convexes, une combinaison de pleins et de vides qui confèrent à la sculpture une grande expression et provoquent un fort impact émotionnel.

La présence des différentes plaques qui façonnent les cheveux et les vêtements donne l'impression d'une forme dynamique, c'est-à-dire qu'elle peut être entourée par le public. Enfin, il convient de noter le jeu des courbes et des contre-courbes des plaques métalliques, accentuant les contrastes de lumière et d'ombre.

Thème et Interprétation

La figure du prophète est représentée par Gargallo avec une force dérivée d'un geste d'une expressivité extraordinaire. Le personnage s'élève dans l'air, le bras droit tendu, la main gauche maintenant un support avec autorité. Sa posture invite à le suivre en raison de l'intensité de son élan, à la fois physique et spirituel. Au-delà d'un thème religieux, il représente la force de la parole, celle de l'enseignant de la vérité comme voie à suivre. C'est une manière puissante d'exprimer le caractère avec l'énergie de son geste.

Influences Synthétisées

Cette œuvre est la plus grande et la plus célèbre de Gargallo, bien qu'il n'ait jamais pu la voir réalisée en bronze par manque de ressources économiques. Dans Le Prophète sont résumées de nombreuses influences reçues par Pablo Gargallo :

• Il suit les traces du cubisme de Pablo Picasso, superposant les différents plans pour créer une forme subjective de la figure, ce qui est clairement visible sur le visage du prophète.
• Il intègre les principes de l'expressionnisme, tant dans la force que dans la sensibilité.
• On peut également trouver des restes de l'art primitif, à l'instar d'artistes comme Brancusi ou Modigliani.

L'œuvre de Gargallo est l'un des meilleurs exemples de la conquête la plus révolutionnaire de la sculpture contemporaine : l'introduction du vide comme solution volumétrique, solution également présente chez d'autres sculpteurs contemporains, tels que Henry Moore.

Fonction

Décorative.

Annonce : Éros et Psyché d'Antonio Canova

Annonce : Ce travail a reçu le nom d'Éros et Psyché. Son auteur était le sculpteur italien Antonio Canova. Il est daté entre 1787 et 1793. Il est actuellement exposé au musée du Louvre à Paris.

Cette œuvre fut commandée par un colonel anglais, John Campbell. Après son achèvement, elle passa aux mains de Napoléon, qui admirait beaucoup l'artiste et lui commanda son portrait.

Contexte Néoclassique

Cette œuvre appartient à l'ère du néoclassicisme, caractérisée par un grand intérêt pour l'art gréco-romain de l'époque classique. Dans ces cercles, l'art gréco-romain était considéré comme la plus haute expression des valeurs universelles et de la perfection formelle, fondée sur la rationalité, en opposition aux excès de frivolité du baroque et du rococo, identifiés à l'Ancien Régime. Par conséquent, la sculpture cherchait à imiter les modèles antiques, visant le même idéal.

Analyse Formelle

Ce groupe sculpté en marbre fut réalisé avec la technique de la sculpture en ronde-bosse. Les surfaces présentent un modelé doux, sans saillies ou creux marqués. Cette œuvre bénéficie d'un polissage minutieux qui donne une impression de finesse et de délicatesse à la scène représentée. Les deux figures définissent un espace ouvert et annulent le sentiment de masse que le marbre pourrait produire.

Concernant les effets de la lumière, on peut dire que la texture lisse et polie des figures conduit à une diffusion homogène de la lumière sur le corps. Néanmoins, le jeu des volumes avec leurs bras et leurs têtes, avec des masses et des vides, génère un espace de contrastes où la lumière se concentre sur l'intention de l'acte imminent du baiser.

En termes de composition, c'est un travail avec un système très complexe, régi par un cercle dans le cercle :

• Le cercle principal est défini par les ailes d'Éros, sa jambe droite et le corps de Psyché.
• Le cercle secondaire est défini par les bras qui entourent les deux figures.

Concernant la sensation de mouvement ou de repos, on peut noter un contraste entre les deux : le mouvement de l'éveil d'Éros et le repos du cercle créé par la composition. Les figures incarnent le concept classique de la beauté.

Interprétation

Cette sculpture interprète un passage de la légende d'Éros et Psyché, tiré du roman L'Âne d'or, écrit par Apulée, un auteur latin du IIe siècle. Éros est sur le point d'embrasser sa bien-aimée Psyché pour la réveiller de l'enfer dans lequel elle était tombée endormie après avoir ouvert un flacon donné par Perséphone, qui lui avait été confié par Aphrodite.

Cette histoire a été interprétée comme une allégorie avec plusieurs lectures sur la relation entre l'amour et l'âme. L'auteur tient à symboliser, dans cette scène, la libération de l'âme et le triomphe de l'amour sur la mort.