Analyse d'Œuvres d'Art Majeures : Architecture et Sculpture

Les Entrepôts Carson Pirie Scott

Catalogage

• Nom: Entrepôts Carson Pirie Scott
• Auteur: Louis Sullivan
• Date: 1899 - 1904
• Lieu: Chicago
• Style: École de Chicago
• Type: Bâtiment civil
• Matériaux: Fer et verre

Louis Sullivan : L'Architecte

Louis Sullivan est l'architecte le plus important de l'École de Chicago. Il a étudié l'architecture à l'Institut de Technologie du Massachusetts et à l'École des Beaux-Arts à Paris. À Paris, il a reçu des influences modernistes. Son activité progressive a commencé à Boston, puis à Chicago, où il a décidé d'examiner le potentiel des structures métalliques.

Contexte Historique

Au cours de la seconde moitié du XIXe siècle, Paris est devenu le centre le plus important de l'art européen. La ville est devenue le créateur et le récepteur de tous les types de tendances : le réalisme, le modernisme, l'impressionnisme, le post-impressionnisme et le symbolisme. Rome, en revanche, déclinait en tant que centre artistique.

Analyse Formelle

La façade du magasin Carson se compose de deux parties distinctes. La base de l'édifice occupe le premier étage et la mezzanine, avec de grandes fenêtres à la façade de verre située au rez-de-chaussée. Dans cette partie, on remarque le grand fer ornemental. Cette section présente un caractère naturaliste, étant faite de feuilles d'acanthe et de bandes spiralées qui encadrent les fenêtres.

La deuxième partie est une répétition du même modèle, toutes les sections étant égales, selon un rythme uniforme de fenêtres horizontales. Dans le plan horizontal, Louis Sullivan a choisi de rompre l'angle du bâtiment en y élevant une tourelle le long des lignes de la première tranche.

Dans l'ensemble, la façade est conçue pour remplir une fonction essentielle : permettre à la lumière de pénétrer. Ses éléments fondamentaux sont les fenêtres de l'École de Chicago, qui sont allongées et horizontales, ce qui est paradoxal étant donné la hauteur du bâtiment (10 étages), mais qui permet une meilleure adaptation à leur environnement. On note les grandes fenêtres dans les baies et les portes de cette tourelle latérale, créant une interaction entre l'intérieur et l'extérieur, assurant ainsi une continuité entre la rue et le hall.

Intégration Urbaine

Situés dans le quartier des affaires de Chicago, les Entrepôts Carson ont été construits suite au grand incendie qui a dévasté le centre-ville en 1871. La reconstruction a également entraîné un changement d'affectation par rapport aux bâtiments précédents et une centralisation des activités administratives et économiques. Les entreprises se sont centralisées au cœur de la ville. Cette partie de la ville est associée aux grands magasins et au commerce, il ne faut donc pas oublier l'importance d'être situé à un angle, où, grâce à sa monumentalité, le bâtiment peut dominer une grande partie du champ visuel de la zone.

Interprétation de l'Œuvre Architecturale

Le bâtiment a fonctionné jusqu'en 2007 comme de grands magasins spécialisés dans la vente de vêtements, chaussures, bijoux, etc. Ce bâtiment est considéré comme l'un des plus importants de Sullivan et de l'École de Chicago. Chaque partie de ce bâtiment devait clairement refléter sa fonction, comme le résume la célèbre maxime de Sullivan : « La forme suit la fonction ».

En termes de modèles et d'influences, Sullivan intègre des éléments décoratifs modernistes et une architecture ornementale qu'il a étudiés lorsqu'il était à Paris, mais il reflète aussi l'essence des innovations de l'École de Chicago. Il travaille également avec de nouveaux matériaux : le béton, le fer et le verre. La structure interne en fer permet de construire des bâtiments plus hauts avec de grandes fenêtres, favorisant ainsi la pénétration de la lumière naturelle. En plus de ces innovations, Sullivan affirme que l'élément formel est subordonné à sa fonction, et non l'inverse. Au milieu du XIXe siècle, la technique novatrice d'utiliser le fer comme matériau de construction en architecture est apparue.

Le Penseur d'Auguste Rodin

Catalogage

• Titre: Le Penseur
• Auteur: Auguste Rodin
• Date: 1880 - 1900
• Style: Impressionnisme
• Matériau: Bronze
• Lieu: Musée Rodin (Paris)
• Couleurs: Monochromes

Biographie de l'Auteur

En 1875, Rodin partit pour l'Italie où il fut attiré par le traitement du mouvement et des muscles dans les œuvres de la Renaissance de sculpteurs comme Donatello et Michel-Ange. De retour à Paris, il a acquis une reconnaissance publique, son style se caractérisant par une modélisation laborieuse et une texture expressive.

Contexte Historique

L'Impressionnisme est un mouvement pictural né en France, entre 1874 et 1886, qui a marqué la rupture de l'art moderne avec l'académisme.

Analyse Formelle

La sculpture est composée d'un relief en bronze en ronde-bosse. La sculpture est monochrome et autonome. Rodin a réalisé une sculpture d'un homme nu, assis sur un rocher, les bras, les mains et les pieds puissamment modelés. Le torse est légèrement penché en avant, sa tête reposant sur sa main droite tandis que la gauche est posée sur le genou, détendue. Cette sculpture exprime clairement une attitude réflexive et méditative.

La sculpture montre une composition clairement centripète, c'est-à-dire tournée vers l'intérieur, procurant une sensation d'autonomie et de détachement de l'extérieur. Mis à part le déséquilibre de certains membres, la tension surprenante de tous les muscles du corps est frappante (bien qu'il soit en pleine réflexion, il semble fournir un grand effort physique). Ce paradoxe doit être compris comme la volonté de l'artiste de donner vie et mouvement à la sculpture, et c'est donc quelque chose qu'il fait exprès. On souligne que les doigts sont très élaborés afin de donner plus de jeu et d'incorporer la vitalité de la lumière.

Cette sculpture présente un réalisme et un naturalisme sans précédent depuis l'Antiquité classique. Cette sculpture, par sa propre petite taille, crée des ombres marquées sur sa surface, contribuant à transmettre les tourments du penseur. C'est une sculpture fermée sur elle-même. Quant au thème, Le Penseur est devenu la représentation d'une personne anonyme plongée dans ses préoccupations. Initialement, cette sculpture représentait le poète florentin Dante.

Interprétation de l'Œuvre

Cette sculpture faisait partie du grand projet de Rodin pour la Porte de l'Enfer, destinée au Musée des Arts Décoratifs de Paris, dont l'œuvre célèbre met en scène les raisons de Dante. Ce projet, qui devait initialement comporter 186 figures, n'a jamais été achevé.

L'œuvre ne peut être comprise sans les influences des sculptures de Michel-Ange, qui se reflètent dans le traitement anatomique des muscles et les volumes surdimensionnés de certaines parties du corps. Rodin est considéré comme l'innovateur de la sculpture contemporaine, tant pour son traitement particulier de la matière que pour son goût des formes arrondies, des aspects qui ont eu un grand écho dans la sculpture moderniste.

Quant à la fonction du Penseur, cette œuvre majeure devait faire partie de la Porte de l'Enfer. La plupart de ces œuvres sont considérées comme des chefs-d'œuvre à part entière (ex: Adam et Ève). Rodin estimait que le sculpteur devait avoir une mission historique : représenter les mouvements modernes dans la ville moderne.

Bien qu'il soit considéré comme un sculpteur impressionniste, son style est également cité dans le post-impressionnisme, l'expressionnisme et le romantisme, ce qui ne fait aucun doute qu'il était un sculpteur innovant, puisant des influences d'autres artistes comme Michel-Ange et Praxitèle pour créer un chef-d'œuvre pour une ville moderne. Le traitement des surfaces rugueuses, aux formes imprécises ou incomplètes, visait à donner plus de vitalité à la sculpture et à créer des jeux de lumière.

Le Serment des Horaces de Jacques-Louis David

Catalogage

• Titre: Le Serment des Horaces
• Auteur: Jacques-Louis David
• Date: 1784
• Style: Néoclassique
• Technique: Huile sur toile
• Thème: Littéraire
• Lieu: Musée du Louvre, Paris

Biographie de l'Auteur

Jacques-Louis David est l'une des figures les plus importantes du Néoclassicisme, qui admirait l'Antiquité classique, ce qui est clairement visible dans ses œuvres. Il a fait ses études à Paris, et c'est là qu'il a peint ses plus belles toiles sur des thèmes historiques. Il participa activement à la Révolution de 1789, devenant l'artiste officiel. Après la mort de Robespierre, il retrouva sa position avec l'arrivée de Napoléon, qui le nomma peintre de chambre. Suite à la chute et à l'exil de Napoléon, Jacques-Louis David s'enfuit à Bruxelles où il se consacra à la peinture de toiles mythologiques et de portraits de thèmes napoléoniens.

Contexte Historique

Le Néoclassicisme est un style artistique inspiré par l'art classique (gréco-romain) et développé au cours du XVIIIe siècle et au début du XIXe siècle, en réaction aux excès du Baroque et du Rococo. Il adopte un langage artistique épuré et ordonné. En France, les valeurs de la Rome antique sont associées à celles des Lumières, fondées sur la raison.

Analyse Formelle

Jacques-Louis David a organisé la composition avec un grand équilibre, montrant une parfaite intégration des figures peintes. La peinture est clairement influencée par la peinture classique, se manifestant par sa clarté, toujours adaptée aux goûts de l'époque. Elle affiche un style raffiné et reflète les couleurs utilisées. Toutes les figures présentent une modélisation anatomique parfaite, atteignant le maximum de pureté académique. Le peintre privilégie les personnages masculins aux lignes raides et les personnages féminins aux lignes ondulées, ce qui renforce visuellement l'attitude agressive des hommes et la sentimentalité des femmes.

En ce qui concerne les couleurs, cette scène est dominée par des nuances de gris, d'ocre et de rouge. Les teintes plus foncées sont utilisées pour le fond et les plus claires pour les figures. Il convient de noter l'utilisation du rouge dans différentes parties des tenues des personnages ; l'utilisation de ce rouge crée un équilibre chromatique dans la scène. Le rouge, couleur dominante, est utilisé par l'auteur pour créer une ligne de couleur froide, subordonnée au goût de l'époque. Toute cette scène est baignée d'une douce lumière qui entre par la gauche, et il n'y a pas de source de lumière visible, à la manière du Caravage. La couleur rouge de la robe est un symbole de la passion et du sang.

Quant au sujet, on peut dire que l'œuvre est inspirée par la tragédie Horace du dramaturge français Pierre Corneille. David représente dans son œuvre le moment où les trois frères Horaces (Romains) jurent devant leur père de combattre à mort contre les guerriers de la ville voisine (les Curiaces). Cette guerre décidera qui prendra le contrôle de l'Italie centrale.

À l'arrière-plan, à droite, trois femmes pleurent les événements : la femme vêtue de blanc est l'une des sœurs d'Horace, mariée à un Curiace ; à ses côtés, une sœur Curiace mariée à un Horace ; et au fond, la mère des frères Horaces, qui s'inquiète pour ses fils. La lumière sur les femmes crée des ombres sur le père et les frères. Le carrelage du sol et des murs crée une perspective linéaire dominée par des lignes droites. Des formes géométriques sont également incluses : les trois frères et le père définissent un rectangle, tandis que les quatre jambes forment un triangle ouvert. L'énergie et la vitalité des personnages centraux contrastent avec la tranquillité et le désespoir des femmes.

Le lieu est dépourvu d'éléments décoratifs ; les colonnes en arrière-plan sont d'ordre toscan d'origine romaine, beaucoup plus austères que le dorique grec. Le peintre français ne voulait pas reproduire les faits historiques, mais plutôt refléter le culte des vertus strictes et du sacrifice héroïque.

Interprétation de l'Œuvre

L'honneur et la loyauté sont clairement exprimés dans l'attitude des Horaces. En termes de modèles et d'influences, on peut dire que l'art classique de la Grèce et de Rome a été sans aucun doute le point de référence de l'œuvre néoclassique de David, tant du point de vue formel que thématique. Il y a également une influence manifeste de Raphaël, Poussin et Caravage. De Raphaël et Poussin, il a parfaitement saisi l'utilisation équilibrée des lignes et des compositions géométriques. De Caravage, il a repris le traitement de la lumière. Les peintures de Jacques-Louis David ont été un point de référence pour de nombreux autres peintres néoclassiques.

La peinture néoclassique met l'accent sur Rome. Contrairement aux compositions typiques du style Rococo ou des fresques baroques, sa composition est simple : seulement quelques figures, un calme total, dans des positions similaires à celles des statues antiques. Les peintres néoclassiques n'avaient pas la même facilité d'accès aux modèles antiques que l'architecture et la sculpture, car de nombreux échantillons ont été conservés en Italie. Ils pouvaient se tourner vers les bas-reliefs, mais il n'était pas facile de surmonter la pauvreté de la gamme de couleurs. La décoration des vases en céramique et les bas-reliefs étaient presque les seules références à la disposition des artistes.

Le 3 Mai 1808 à Madrid de Francisco Goya

Catalogage

• Titre: Le 3 Mai 1808 à Madrid
• Auteur: F. Goya
• Date: 1814
• Technique: Huile sur toile
• Style: Néoclassique / Romantique
• Thème: Historique et allégorique
• Lieu: Musée du Prado, Madrid

Biographie de l'Auteur

Francisco Goya est l'un des peintres les plus importants de tous les temps. Il a appris son métier à Saragosse en 1770, puis a voyagé en Italie où il a étudié les maîtres italiens et a acquis une esthétique néoclassique ainsi qu'un goût pour les figures allégoriques et mythologiques.

Contexte Historique

Le Néoclassicisme est un style artistique inspiré de l'art classique (gréco-romain) et développé au cours du XVIIIe siècle et au début du XIXe siècle, en réaction aux excès du Baroque et du Rococo.

Analyse Formelle

Cette peinture s'articule en trois groupes, avec un paysage urbain en arrière-plan. Les trois groupes sont : les soldats qui visent, les personnages qui font face à la mort, et les personnages à l'arrière-plan qui se couvrent le visage pour ne pas voir la mort. Les personnages morts sont au sol, et le peloton de soldats est aligné en diagonale à droite, leurs fusils pointant vers les personnages. On souligne que la lumière est utilisée pour éclairer la zone immédiate de l'exécution, et on met en évidence les ombres fortes des soldats.

En termes de composition, l'œuvre s'articule autour de la figure centrale aux bras ouverts, cette position étant interprétée comme celle d'un homme faisant face aux soldats. On peut souligner la grande expressivité des personnages, leurs attitudes de violence, de souffrance, de peur, etc. Ces soldats représentent les Français et symbolisent la répression définitive. La présence de maisons en arrière-plan situe la scène dans un lieu particulier et lui confère un réalisme saisissant (probablement Madrid).

La palette de couleurs est assez sombre. L'ocre, le noir, le blanc, le jaune et le rouge sont les couleurs qui confèrent à la scène son caractère dramatique. Grâce à la lumière et aux couleurs, une impression de profondeur est donnée. Les couleurs sombres du fond, ocre et rouge, accentuent la proximité. Quant à la composition des personnages, les lignes sont organisées en diagonale.

Quant au thème et au sens, Le 3 Mai est souvent associé à une autre œuvre, Le 2 Mai. L'action se déroule dans les montagnes du Prince Pio. On note la présence d'une femme et d'une grange, ce qui ajoute à la crédibilité de la scène. Au niveau iconographique, l'homme aux bras ouverts est lié à la crucifixion de Jésus. L'utilisation du jaune et du bleu, couleurs héraldiques du Pape, symbolise l'Église, et la lumière émanant de ce personnage est une métaphore de la présence de Dieu. Le caractère héroïque de cette image (à l'instar du Serment des Horaces) dénonce clairement la guerre et l'envahisseur français, et la représentation de cette lutte pour la liberté est une idée principale du Romantisme.

Interprétation de l'Œuvre

On ne sait pas quand ces tableaux ont été réalisés ni quel était leur rôle exact, qu'il s'agisse d'un élément décoratif à la mémoire de Ferdinand VII, ou d'une commémoration du 2 mai. Quant aux modèles et influences, Goya s'inspire du modèle baroque pour la sémantique de la scène. Les peintures de Goya, même chronologiquement plus tardives, utilisent la même expressivité. L'influence de cette image est évidente sur d'autres œuvres comme L'Exécution de Maximilien de Manet et Le Massacre en Corée de Picasso. Et sur le plan conceptuel, l'horreur de la guerre est liée à Guernica de Picasso.