Analyse d'œuvres d'art : De Van Gogh à Monet
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La Nuit Étoilée de Van Gogh
Description
La Nuit Étoilée de Van Gogh représente le paysage qu'il voyait de sa chambre à l'asile psychiatrique près de Saint-Rémy-de-Provence. On peut voir une église, un village et les montagnes en arrière-plan.
Éléments Plastiques
Le tableau est principalement une formulation picturale. Van Gogh utilise un pinceau épais, en indiquant clairement chaque ligne avec des touches différentes. Les contours des montagnes et des maisons sont marqués par un trait noir épais. Il applique la couleur directement sur la toile et les coups sont de différentes intensités. Il utilise des lignes droites pour les maisons et ondulantes pour le ciel. La gamme de couleurs froides, bleu et vert, prédomine, soulignée par des lignes noires et jaunes utilisées pour mettre en valeur les projecteurs des maisons et des étoiles. La lune est entourée d'un halo jaune qui la fait ressembler au soleil.
Composition
Le paysage nocturne a deux parties distinctes. En bas, la terre, le village, avec l'église et son clocher en forme de tour. En haut, le ciel, la lune et les étoiles qui rayonnent leur lumière avec des formes circulaires. Le cyprès, sur le côté gauche, sert à unir les deux parties. Ce tableau n'est pas une approche mathématique du cyprès qui définit le premier plan et donne de la profondeur à l'image. En arrière-plan se trouve le village et la montagne.
Analyse
L'ouvrage présente des touches différentes, et il y a un contraste entre la clarté et le mouvement du ciel et le silence et l'obscurité du village. Le dynamisme du ciel est représenté avec des lignes ondulées qui se combinent, tandis que pour montrer le silence du village, il utilise des lignes droites.
Thème et Expressivité
Il s'agit d'une œuvre très rigoureuse et dynamique à travers ses lignes ondulées et verticales. La représentation du paysage est le résultat de la volonté de l'artiste, car ce n'est pas une représentation fidèle de la réalité. Par exemple, le clocher de l'église n'est pas celui de Saint-Rémy, mais correspond à des églises des Pays-Bas. Il y a un lien étroit entre les formes représentées et l'état d'esprit de l'artiste. La couleur ne correspond pas à la réalité, mais aux émotions de l'artiste. Ainsi, l'artiste révèle un paysage où il exprime ses émotions et sa subjectivité.
Style
Post-impressionniste. Le style de Van Gogh, tout à fait personnel, est d'une pure puissance expressive. Il peint avec des couleurs vives, en capturant les traces d'un geste très énergique et même violent. Son travail est influencé par l'impressionnisme, mais il est allé au-delà des postulats impressionnistes de la lumière et de la couleur. Pour la représentation de l'espace, très originale, il s'inspire de l'art japonais, avec un cadrage très original et des lignes grecques pour profiler les figures. Les paysages de Van Gogh expriment une profonde spiritualité. Le traitement du paysage religieux a été initié par Friedrich, peintre romantique allemand, et renouvelé par d'autres artistes tels que Millet. Son influence sur les expressionnistes tels que Munch et les allemands (Kirchner et Kokoschka...) est notable pour exprimer leurs émotions à travers la peinture. Van Gogh deviendra une icône de la culture moderne.
Contexte et Interprétation
Le paysage nocturne manifeste l'intérêt pour l'expression des couleurs de la nuit, ainsi que le sens du mystère, de la solitude et de l'angoisse de ce moment. L'artiste crée un réalisme qui va au-delà de la simple observation des effets de la nature. C'est une œuvre où il exprime ses tensions internes, la lumière et la couleur sont les moyens de les exprimer. Ce paysage nocturne a été peint en 1889 au sanatorium de Saint-Rémy, où Van Gogh a été admis pour des crises d'épilepsie, un an avant son suicide. Contrairement à d'autres de ses œuvres, ce paysage n'a pas été peint en plein air, mais depuis la chambre du sanatorium, d'où il pouvait voir le ciel à travers une petite fenêtre. Dans cette situation extrême, l'artiste a dessiné l'intérieur de cette scène, dans laquelle la nature déploie son énergie et affiche sa splendeur. La nature sert à exprimer sa perception d'un monde primitif et pur, différent de la réalité moderne de la pollution et du drame religieux. Les éléments de la nature : oliviers, cyprès, sont des outils formels utilisés pour donner corps à son humeur. Le cyprès, élément vertical, symbolise la foi en la vie après la mort et l'idée même de la mort. Le clocher de l'église est un écho du cyprès. Les maisons du village, avec des lumières montrant la chaleur humaine, sont loin du peintre qui est seul. Quant aux étoiles, lointaines, mystérieuses et dynamiques, elles servent à exprimer son aspiration religieuse. Van Gogh, en regardant l'immensité de la nuit, cherche la réponse de Dieu.
Fonction
Van Gogh a trouvé dans la peinture une évasion à son angoisse et bien que son travail n'ait pas été reconnu, il a toujours gardé sa capacité innée à capturer les émotions. L'artiste peint à la recherche de réconfort à travers la représentation de la nature. Dans cette peinture, l'artiste a réussi à exprimer sa crise intime, qui a une importante composante religieuse. Sur le thème des paysages, apparemment laïques, Van Gogh cherchait dans la nature des réponses à ses questions sur l'infini, que la religion traditionnelle n'arrivait pas à lui donner.
Contexte Historique
Au XIXe siècle, il y a un déclin des valeurs religieuses face aux progrès scientifiques, l'homme cherche des réponses dans la nature et le cosmos infini. Le peintre, fils d'un pasteur protestant, avait grandi dans la foi, et lui-même avait étudié la théologie, avant de se consacrer à la peinture. Il a dit dans une de ses lettres qu'il cherchait une peinture qui pourrait constituer une consolation, mais en dehors des idées religieuses traditionnelles. Saint-Rémy était une plaine agricole traditionnelle de terres arides méditerranéennes. Il y avait des cyprès et des oliviers et des alignements se trouvaient au sud des Alpilles. Van Gogh est venu ici à la recherche de nouveaux moyens pour sa peinture. Il a été hospitalisé après une dépression nerveuse, il y a passé un an, puis est retourné dans le nord de la France, où il s'est suicidé deux mois plus tard.
Conclusion
L'œuvre de Van Gogh a été très novatrice et est devenue un précurseur de l'expressionnisme. Sa peinture, par la qualité émotionnelle de la couleur et la force de son coup de pinceau, exprime les émotions et les tensions de l'homme.
Mariano Fortuny, La Vicaría
Description
L'action se déroule dans une sacristie du XVIIIe siècle. La scène représente une double signature inspirée de la sacristie de San Sebastián à Madrid, où Fortuny s'est marié.
Éléments Plastiques
La couleur domine sur la ligne, même si elle est bien définie avec des figures bien finies. Les couleurs sont appliquées avec une touche fine et précise. Les couleurs chaudes prédominent sur les froides (bien que très représentées). Il y a une lumière de haute intensité, qui vient de la gauche, ce qui suggère qu'il y a une fenêtre.
Composition
La composition est équilibrée (grâce au brasero et à la lampe). La lumière affecte l'œuvre par la gauche et rend les couleurs claires dans le domaine du droit, où il y a plus d'ombre. L'œuvre est structurée à partir du point de fuite, situé dans les registres. Il y a deux axes horizontaux, dans les registres et dans les barres. Et aussi deux axes diagonaux dans les rôles des mariés. Enfin, il y a aussi deux lignes verticales entre les rôles et la colonne de la porte dorée. Il faut également souligner le groupe au milieu, qui signe les papiers du mariage, et le groupe à gauche avec la *maja* et le torero.
Analyse
Le bâtiment est stable grâce à des éléments comme la lampe et le brasero.
Thème et Expressivité
Moment anecdotique, pas transcendant, c'est une scène quotidienne.
Style
Réaliste-Fortunyiste. Fortuny est considéré comme le deuxième meilleur peintre du XIXe siècle après Goya. Il a créé un style unique, qui se divise entre le réalisme et le fortunyisme.
Contexte et Interprétation
Dans le tableau, on distingue trois groupes : le vicaire à gauche, le groupe principal situé au milieu, où les mariés signent les papiers, et le prêtre qui les assiste. On peut également observer le pénitent qui mendie et qui se connecte avec le troisième groupe, où les gens sont totalement détendus, contrairement à l'action principale.
Fonction
Décorative. La peinture est une scène de genre ou de coutume.
Francisco de Goya, Les Fusillades du 3 Mai
Description
L'œuvre représente les fusillades du 3 mai à Madrid.
Éléments Plastiques
Principalement une formulation picturale, avec des traits longs et ouverts, puissamment expressifs. La gamme de couleurs est réduite (ocre, noir, blanc, jaune, rouge). La lumière affecte la couleur et crée des contrastes et des nuances.
Composition
La composition est divisée en trois groupes et le paysage de fond avec les maisons. Sur la gauche, il y a un groupe de personnes, certaines sur le point d'être fusillées et d'autres mortes. Sur la droite, il y a un peloton de soldats placés en diagonale. La composition est organisée grâce à la figure qui fait face aux soldats. La lumière est utilisée pour éclairer les personnages sur la gauche tandis que les ombres entourent les soldats sur la droite. La lumière et la couleur créent de la profondeur. La ligne d'horizon donne un réalisme et inclut le spectateur dans l'œuvre.
Analyse
Le dynamisme de la scène est accentué par la diagonale.
Thème et Expressivité
Grande expression dans les attitudes des personnages (horreur, héroïsme, démission). Cependant, les soldats sont dépeints comme des personnages déshumanisés.
Style
Bien qu'il s'agisse d'une œuvre comprise dans la période néoclassique, elle présente des caractéristiques de la peinture romantique. Goya s'inspire de la tradition baroque, tant dans les ressources que dans les expressions picturales. Il intègre également des données du ténébrisme du XVIIe siècle. Goya deviendra un artiste plastique innovant et inspirera des auteurs ultérieurs tels que Manet.
Contexte et Interprétation
Le tableau montre les exécutions menées par les troupes françaises sur la ville de Madrid, un jour après le soulèvement spontané. La figure de l'homme aux bras ouverts est associée aux icônes de la crucifixion de Jésus, et la lumière à la présence de Dieu. Goya représente le peuple comme des héros d'une sensibilité éloignée de l'héroïsme des peintures néoclassiques. Grâce à l'idée de lutte passionnée du peuple, il montre une claire sensibilité romantique.
Fonction
Aucun but précis. Bien que le thème de la peinture devienne un témoin des événements de Madrid.
Contexte Historique
L'insurrection populaire contre les troupes de Napoléon a conduit à une longue guerre. Goya, partisan des idées des Lumières, a été déçu par la situation politique, l'horreur, la barbarie et l'héroïsme du peuple. Il s'est exilé à Bordeaux, où il est mort. L'auteur s'est distingué comme peintre et graveur. Il a été introduit dans les cercles aristocratiques jusqu'à ce qu'il soit nommé peintre de la cour de Charles IV.
Édouard Manet, Le Déjeuner sur l'herbe
Description
L'œuvre représente deux couples profitant d'un repas en plein air.
Éléments Plastiques
Principalement une formulation picturale. Les figures sont dessinées sans lignes de contour, les aplats de couleurs forment des masses qui constituent les différentes formes. Il n'y a pas de clair-obscur pour créer du volume, les détails du fond ne sont pas présentés. Il y a un équilibre entre les couleurs chaudes et froides, les couleurs chaudes correspondent à la lumière qui éclaire les figures féminines.
Composition
Manet place les figures au centre du tableau, formant une composition triangulaire et fermée. Deux des figures regardent directement le spectateur, le rendant complice. L'autre figure masculine est en conversation avec l'autre. Manet a contesté les lois traditionnelles de la perspective, car la figure féminine du fond est dans le même plan que les autres.
Analyse
Les figures sont en équilibre, présentées de façon naturelle. La scène est détendue et les expressions courantes, dans lesquelles les personnages regardent directement le spectateur.
Style
Impressionnisme. Manet a commencé à développer l'impressionnisme plus tard. L'auteur a développé des thèmes tels que le réalisme : scènes quotidiennes d'extérieur, paysages. Il présente également une série d'innovations stylistiques, comme l'utilisation de couleurs pures. Pour cette raison, il est considéré comme le père de l'impressionnisme.
Contexte et Interprétation
L'œuvre est inspirée d'une peinture de Titien, sur un argument de la mythologie, où une scène similaire est représentée. En même temps, cette œuvre a également inspiré de nombreux artistes tels que Picasso plus tard. L'œuvre, exposée en 1863, a été jugée vulgaire et moralement condamnée. Le style a également été critiqué, car il n'était pas très raffiné, sans dessiner les contours ni les détails du fond.
Fonction
Le but de cette œuvre était essentiellement esthétique, et elle a été réalisée avec l'intention de l'exposer dans une salle pour être connue directement des clients.
Conclusion
Manet, considéré comme le père de l'impressionnisme, a cultivé un style basé sur la représentation réaliste des scènes quotidiennes, des portraits et des paysages à l'extérieur. Sa route vers l'impressionnisme a développé un nouveau concept dans l'histoire de l'art.
Claude Monet, Impression, soleil levant
Description
On peut voir le lever du soleil sur la mer, on peut voir des bateaux, des mâts. Le dessin a pratiquement disparu et le coup de pinceau est fragmenté, fait de touches, dans lequel la couleur est la lumière.
Éléments Plastiques
Monet étudie l'effet du soleil et se préoccupe des questions d'esthétique de la couleur.
Composition
Fusion des plans, il y a une certaine profondeur avec les bateaux aux mâts les plus proches, puis les seconds, mais il ne cherche pas à montrer une profondeur atmosphérique. Il capture l'espace de la mobilité formé par la vibration de la lumière et de l'atmosphère. L'espace est capturé, c'est-à-dire l'air, les reflets...
Analyse
L'idée de l'impressionnisme montre la fluidité du temps.
Thème et Expressivité
Il améliore les possibilités de la sensation, c'est-à-dire la lumière sur l'eau et l'atmosphère. Grâce aux couleurs, il exprime un sens lyrique de la nature et ne s'intéresse pas à la réalité visuelle des choses.
Style
L'impressionnisme part du réalisme, mais il fait une révolution artistique (IIIe siècle). Avec l'impressionnisme, la forme est définie par la vibration de la couleur qui n'existe que par le phénomène de la lumière. Monet a étudié les effets optiques de la lumière et a été le peintre qui a le plus contribué à ce mouvement, qui marque le début de l'art moderne, avec le début de l'abstraction.
Interprétation
Cette œuvre a été réalisée par Monet depuis sa fenêtre au Havre. Le thème est la nature elle-même, mais aussi et surtout la réalisation du phénomène de la lumière. Quand il parle d'impression, il soulève également les inquiétudes de l'artiste, afin qu'il voie ce qu'il veut. En bref, c'est une conjonction entre la vision et le sentiment, avec lui la perception du temps devient plus répandue.
Fonction
Décorative. Fonction esthétique. Il cherche à enquêter sur la technique de la peinture et à créer une nouvelle conception de la peinture basée sur l'atmosphère. Autres explications : cette œuvre a participé à la première exposition du groupe impressionniste, avec d'autres peintres (Renoir, Pissarro...). Ils ont été présentés à une exposition des beaux-arts à titre subsidiaire. Quand on lui a demandé le titre, il a dit de mettre"impressio" et le critique Louis Leroy a dit que le papier peint était plus complet que ce tableau, et a dit :"si... très impressionnist". D'autres étaient en faveur. En fin de compte, il a été accepté et a réussi.
Conclusion
Monet, avec ses séries, dans lesquelles il analysait les différentes heures du jour, ouvre la voie vers l'art abstrait. Grâce à lui, Kandinsky a compris que la forme et la couleur ne doivent pas dépendre de l'objet et peuvent exprimer des émotions par elles-mêmes.