Analyse d'Œuvres Majeures : Du Néoclassicisme au Modernisme

Les Trois Grâces, Antonio Canova

Commentaire sur Les Trois Grâces

La sculpture Les Trois Grâces est l'œuvre du sculpteur italien Antonio Canova. Bien qu'il n'ait pas pu étudier l'art en raison des faibles revenus de sa famille, Canova a atteint un grand prestige et une réputation mondiale dans le monde de l'art après son installation à Venise. Les Trois Grâces est l'une de ses œuvres les plus reconnues. Ces figures incarnent et représentent le nu féminin d'une manière parfaite, révélant les talents artistiques de Canova. Au-delà de la simple représentation, le sculpteur reflète dans la composition le monde intérieur mythologique des Grâces. Dans la mythologie grecque, les Grâces étaient les déesses de la beauté et de la fertilité. Il y en a trois qui sont les plus considérées dans le monde mythologique et dont les noms sont :

• Aglaé
• Euphrosine
• Thalie

Selon les experts, les Grâces étaient également associées à la pègre et aux Mystères d'Éleusis.

Analyse de la sculpture

Antonio Canova a réalisé Les Trois Grâces en marbre, matériau auquel il sera associé et identifié tout au long de sa carrière de sculpteur. Les Trois Grâces est une sculpture en marbre d'une finition et d'un polissage parfaits. Canova utilise ce matériau pour incarner l'idéal de beauté des Grâces d'une manière simple mais très pure, suivant le goût artistique de l'époque. Les Trois Grâces sont présentées reposant sur un pied et se tenant doucement entre elles. La couleur du marbre est exquise et confère à la forme sculpturale la légèreté et l'élégance caractéristiques de Canova. Dans la même veine, deux autres créations très répandues sont inscrites : le portrait de la sœur de Napoléon, Pauline Borghèse en Vénus, sculptée sur un divan, et Thésée et le Minotaure.

Le Serment des Horaces, Jacques-Louis David

Analyse de la composition néoclassique

La composition est ordonnée et symétrique, dont l'axe est le père, qui divise les personnages en deux groupes uniformément répartis : à gauche, les Horaces, et à droite, les femmes. C'est typique des compositions de peinture néoclassique. Il y a des preuves claires : ici, nous pouvons voir que les figures sont bien ordonnées, parallèles au plan du tableau, en correspondance avec l'architecture. Les figures sont divisées en deux groupes : les hommes, à gauche, symbolisant l'acte héroïque de prestation de serment à la mort, et les femmes, à droite, symbolisant le sentiment. La composition est ordonnée, comme dans les bas-reliefs romains. La peinture néoclassique se caractérise par des figures précises, où leurs contours sont nets et où il y a une prédominance du dessin. Cette domination du dessin rend les moyens plus précis. Ce sont les mêmes formes utilisées par les hommes de la Renaissance et du monde classique, ce qui signifie que la figure et le fond ne sont pas fusionnés.

Lumière et couleur

La lumière est froide, naturelle, au service de l'élaboration et de la forme, et elle doit les mettre en évidence. Cela est influencé par Le Caravage. La lumière vient du côté gauche du tableau et donne une théâtralité à l'œuvre, créant les volumes des corps, car elle se concentre sur les éléments les plus essentiels. La couleur est froide et rationnelle. Seules les robes rouges confèrent des sentiments et des émotions plus chauds. Les couleurs sont pures, elles ne se mélangent pas. La création de l'espace est basée sur la perspective classique, plaçant un point de fuite dans les mains du père, au niveau de l'épée. Nous trouvons également un autre point de fuite au niveau des têtes des femmes.

Expressions et tension

Les expressions sont tendues, car les muscles sont serrés, ce qui est souligné par le rituel du serment avec leurs épées. Cela contraste avec l'attitude passive de douleur des deux sœurs. Pour accentuer cette tension, la figure du manteau sombre avec les enfants avance. Il s'agit d'un naturalisme qui est observé dans l'étude de l'anatomie. L'impact de la lumière sur les corps leur donne un sentiment de volume. Cela conduit naturellement David à examiner les proportions.

Francisco de Goya : Aperçu de sa carrière

L'œuvre de Goya est généralement divisée en trois étapes principales :

1. Première étape (1760-1792) : La période joyeuse

   Cette étape est celle de la peinture joyeuse et accueillante. Cela se reflète dans les peintures qu'il a réalisées sous forme de cartons pour les tapisseries de la manufacture royale. Ce stade est caractérisé par la composition néoclassique : les figures sont regroupées selon des motifs géométriques. Les sujets les plus populaires étaient représentés.

2. Deuxième étape (1792-1808) : La première crise

   Cette étape marque la première crise de Goya. C'est l'étape des portraits, à laquelle appartient l'œuvre que nous avons vue, et la série des Caprices, où Goya fait la satire des erreurs humaines communes à toute la société : la cupidité, la vanité, etc. Cette satire commence par aborder les problèmes en général. Tous mènent un titre. Il y a quatre-vingts planches. Goya réalise à ce moment-là les plus grands portraits de l'aristocratie.

3. Troisième étape (1808-1828) : La seconde crise et la guerre

   Cette étape marque la seconde crise de Goya et s'étend jusqu'à sa mort (1828). C'est l'époque où il vit les conséquences de l'invasion napoléonienne (la Guerre d'Indépendance). Goya la vivra avec amertume, ce qui produit une série de gravures qu'il intitule Les Désastres de la Guerre. Le protagoniste de ces gravures est le peuple, dégradé par la guerre. Dans ces tableaux, il représente la cruauté, la faim, l'injustice, et l'irrationalité de la guerre. Il reflète également ce même thème dans deux tableaux qu'il a réalisés en 1814 : L'exécution du 2 mai et Le Tir du 3 mai. Deux ans plus tard, à 70 ans, et après la scène tragique de la guerre, il développe une série de gravures (Blanc et Noir) reflétant des scènes de tauromachie. En 1820, il vivra dans une maison sur les rives du Manzanares et peindra les célèbres peintures de la Quinta del Sordo, qui sont des peintures noires qui mettent en lumière des scènes de sorcellerie, comme le Sabbat, la Fête de San Isidro, le dieu Saturne dévorant ses enfants, etc.

Du point de vue de l'approche historique, Goya a vécu de 1746 à 1828, une étape correspondant aux règnes de Carlos III et Carlos IV. Ce furent des années où l'on tenta d'introduire des réformes à travers le Siècle des Lumières. Goya a vu Carlos III triompher avec certaines de ces tentatives de réforme, mais sous son successeur, Carlos IV, ces efforts de réforme furent retenus car il découlait d'un conflit entre la minorité réformiste éclairée et la majorité conservatrice, qui ne voulait pas changer le statu quo. C'est dans cette atmosphère de confusion et de conflit social que s'inscrit la réalisation des Caprices de Goya.

Les Fusillades du 3 mai, Francisco de Goya

Analyse technique et compositionnelle

La peinture est réalisée sur toile en utilisant la technique de la peinture à l'huile. La composition se divise en deux parties principales :

1. La première, à gauche, est composée d'un groupe de civils, une douzaine, dans des poses différentes : l'un se couvre le visage, d'autres sont déjà morts sur le sol, un autre apparaît en prière, un autre encore a les bras ouverts...

2. La partie droite est formée par un groupe de six soldats pointant leurs armes sur le groupe de civils devant eux. Du côté du groupe de civils, on aperçoit la colline de Principe Pío. Et à l'arrière-plan, nous voyons une architecture appartenant à la ville de Madrid et la nuit noire où l'action se déroule, et qui couvre le reste de la composition.

Palette et lumière

Goya utilise dans ce tableau une palette essentiellement sombre, dominée par la couleur noire, couleur de la mort par excellence, avec un important mélange de couleurs associées à la gamme des verts. L'autre famille de couleurs est l'ocre et le brun. Il ne faut pas oublier la chemise blanche de l'homme aux bras ouverts, qui contraste fortement avec le reste de la palette, très sombre. On pourrait dire que cette composition est un "crescendo de couleur" allant de la chemise blanche du civil jusqu'aux vêtements noirs des soldats.

Commentaire historique

Il s'agit d'une peinture de l'artiste aragonais Francisco Goya y Lucientes, intitulée Le 3 mai 1808 ou Les Fusillades de la Moncloa. Il a été peint en 1814. Personne ne sait exactement à quelle fin il a été conçu, mais tout porte à croire qu'il était destiné à être situé dans une architecture éphémère. Il est entré au musée du Prado au XIXe siècle (où il se trouve actuellement), mais n'a été exposé qu'en 1868, cité par un catalogue de l'époque. L'événement représenté dans le tableau a eu lieu en 1808. Napoléon avait envahi l'Espagne et la famille royale devait suivre ses ordres. Le 2 mai 1808, des habitants de Madrid ont cherché à empêcher le départ du Prince Francisco de Paula vers la France, organisé par les Français. La situation a dégénéré et les troupes françaises ont tiré sur Madrid, dans ce qui est connu comme le soulèvement du 2 mai. Le déclenchement de la Guerre d'Indépendance en mai 1808 représente un grave conflit interne pour Goya, partagé entre son idéologie libérale pro-française et Joseph Ier, et son patriotisme attiré par ceux qui se battaient contre les Français. Sur la toile, on peut voir une vision patriotique des événements du 3 mai 1808 à Madrid. Il a été peint des années après les événements, et on ne sait pas s'il a été témoin de l'événement. Ce que nous savons, c'est que Goya tente d'attirer l'attention dans le tableau en traduisant un sentiment de chroniqueur photographique. Avec ses pinceaux, il dépeint ce que fut cet épisode qui a déclenché la guerre avec toute sa violence et sa cruauté, exprimant son opposition à ces faits et donnant une leçon contre l'irrationalité des êtres humains, comme il convenait à son esprit éclairé.

Technique d'exécution

L'exécution est très violente, avec un coup de pinceau rapide, épais et large, et des touches, comme si la violence même de l'action avait envahi le peintre.

La Tour Eiffel

Analyse architecturale

Elle mesure 300 mètres de haut. Elle s'érige sur quatre grands pieds, reliés par des structures cintrées qui ressemblent aux yeux des ponts de fer qui étaient la spécialité d'Eiffel. Dans les arches des pieds cintrés, il y a une idée claire de décorativisme avec des ornementations tressées. La tour est élaborée avec une grande verticalité, et à partir de la première plate-forme, le chemin résulte en un rétrécissement pyramidal prononcé qui accentue le sentiment de verticalité. C'est une structure ouverte qui met en évidence la fonction esthétique de la tour, car c'est tout ce qui se détache dans le ciel, non seulement la silhouette, mais aussi le volume intérieur, et cela donne une impression de légèreté qui ne correspond pas à son poids réel.

Symbole de la modernité

La tour est un bâtiment sans autre fonction que de rendre visibles les éléments de sa propre structure. Elle devient un symbole de la modernité qui s'élève au-dessus des symboles traditionnels, comme les tours de Notre-Dame ou le Dôme des Invalides. C'est un monument commémoratif vide de contenu : il ne célèbre pas une victoire ou un événement passé, mais le succès des générations présentes et futures. Le rôle décoratif devient moins important et les éléments purement constructifs sont mis en avant : structures d'emboîtement des pièces de fer, calcul de la dilatation et des contraintes métalliques, etc.

Commentaire historique

La construction de cette œuvre architecturale a été confiée à Gustave Eiffel. C'est un monument symbolique représentant le triomphe de l'art dans le monde moderne. Il a été construit à Paris entre 1887 et 1889 pour l'Exposition universelle de 1889, qui célébrait le centenaire de la Révolution française. Il appartient à l'architecture de fer et de nouveaux matériaux. Sa principale caractéristique est qu'elle accorde de l'importance aux solutions techniques pour les nouveaux problèmes de construction (ponts, usines, etc.) basées sur l'utilisation de matériaux innovants, mis à la disposition des développeurs par la Révolution industrielle. L'École de Chicago au XIXe siècle représente la consécration des nouveaux matériaux et des nouvelles techniques, et a lancé le mouvement moderne en architecture. L'utilisation du fer comme élément clé dans les structures de construction a commencé dans la construction des ponts et des gares. Mais on a découvert son grand potentiel pour tout type de construction. Ce sont des ingénieurs, formés dans un esprit utilitariste, qui introduisent de nouveaux matériaux, tandis que les architectes traditionnels continuent d'être considérés comme les créateurs de la beauté, ne se préoccupant que de la forme. Le grand triomphe de l'architecture de fer et de verre est venu avec la célébration des Expositions universelles, de grands échantillons créés pour exalter les réalisations de l'industrie, du commerce et des arts. La première de ces expositions a eu lieu à Londres en 1851, pour laquelle l'architecte Joseph Paxton a conçu le Palais de Cristal. Pour l'Exposition universelle de Paris de 1889, deux bâtiments importants ont été créés : la Galerie des Machines, par Contamin et Dutert, et la Tour Eiffel.

La Casa Milà (La Pedrera), Antoni Gaudí

Analyse architecturale

Type de bâtiment : Architecture domestique.

Matériaux : Elle est faite de pierres et de briques, mais utilise déjà de nouveaux matériaux comme le fer, le verre et la céramique peinte. La sculpture sur pierre montre une texture granuleuse qui lui donne une consistance presque géologique. La combinaison de blocs de pierre avec des formes vaguement organiques et des balcons en fer crée une très forte puissance expressive, que certains auteurs (Oriol Bohigas) ont vue comme une histoire de l'architecture expressionniste. Gaudí a utilisé la sculpture de pierre avec autant d'intention que l'expression avec le fer.

Organisation de l'espace

La répartition de l'espace au sol est faite avec une liberté et une imagination totales. Le bâtiment de forme irrégulière est organisé autour de deux cours intérieures qui deviennent de véritables façades intérieures. Les patios sont vastes et étaient initialement décorés de fresques. Gaudí a rompu avec la conception traditionnelle de la symétrie dans l'organisation de l'usine. Ce jeu bizarre dans l'organisation de l'usine est rendu possible par l'utilisation d'une construction très audacieuse et en avance sur son temps : le remplacement des murs porteurs par des structures en fer permet de concentrer tout le poids sur certains points spécifiques et d'utiliser la ligne courbe dans la conception de l'usine, ce qui donne une impression de mouvement, transmise à tous les étages et à l'ensemble du bâtiment. Les formes végétales sont définies par des courbes. Le projet initial de Gaudí introduisait dans le plan une rampe de garage, permettant aux véhicules d'accéder aux étages supérieurs. La grande quantité d'espace que la rampe aurait dû occuper l'a fait abandonner le projet.

Commentaire sur Antoni Gaudí

A. Gaudí est né à Reus dans une famille de forgerons. Dès son enfance, il a appris le métier de la ferronnerie. Il a été formé comme architecte à Barcelone, où il a réalisé la plupart de ses travaux. Dans son œuvre, nous mettons en évidence plusieurs étapes :

1. Stade de l'éclectisme français (1ère étape) : Il appartient à la cascade du Parc de la Ciutadella à Barcelone.

2. Stade mauresque ou oriental (2e étape) : Les structures sont découvertes ou de type gothique islamique avec une décoration naturaliste. Il y a utilisation d'éléments orientaux (carrelage, stores, couleurs qui servent à former des environnements mystérieux). Appartiennent à ce stade la Casa Vicens à Barcelone et le Palau Güell (Calle del Conde Assault).

3. Stade gothique (3e étape) : Apparition du culte de l'architecture médiévale, en particulier le gothique. Dans cette phase, on trouve le Palais épiscopal d'Astorga, la Casa Botines à León et la Casa Calvet (rue Caspe n° 52).

4. Stade de maturité (4e étape) : La mise en œuvre complète du modernisme. Appartiennent à ce stade le Parc Güell, la Casa Batlló et la Casa Milà ou Pedrera.

Date : Construite entre 1906 et 1910.

Lieu : Située sur le Passeig de Gràcia n° 92 et occupant une partie de l'un des îlots de l'Eixample, à l'angle de la rue Provence.

Style : Le modernisme en Catalogne a été un mouvement artistique qui a commencé en Europe vers 1890, a atteint un sommet au XIXe siècle, et s'est terminé plus ou moins en 1905 en Europe. En Espagne, il a commencé en 1914. Né à Bruxelles, il s'est rapidement propagé à travers la France (Art Nouveau), l'Angleterre (Modern Style), l'Allemagne (Jugendstil), l'Autriche (Sécession), l'Italie (La Liberté) et l'Espagne (le Modernisme).

Guernica, Pablo Picasso

Analyse formelle et composition

Le tableau est peint en noir et blanc, avec différentes nuances de gris et de bleu pour être simplement perçu. Il est possible que ce choix de couleur soit dû au fait que Picasso a pris connaissance du bombardement par des avions allemands de la ville basque de Guernica (1937) par les journaux. Une autre explication est que le peintre de Malaga voulait exprimer son chagrin, son angoisse et son indignation face à cette attaque comme une pièce de théâtre. Pour réaliser cette œuvre de grandes dimensions (349 x 776 cm), il a eu recours au cubisme pour donner une expression plus atroce. Les différentes figures du tableau ont la bouche grande ouverte, les yeux exorbités et des corps difformes.

Composition

La composition de Guernica se compose de huit figures qui ont subi différents changements au fur et à mesure qu'elles étaient peintes. On pourrait dire que, bien que le Guernica de Picasso ressemble à une toile désordonnée, la position et la forme des différents composants ont été très étudiées. Avant de commencer à peindre l'œuvre finale, il a réalisé différentes études de ce que serait le Guernica que nous connaissons aujourd'hui. La peinture se compose d'une pyramide centrale couronnée par l'ampoule, la bougie tenue par une femme qui sort d'une fenêtre et la tête du cheval mourant. Cette pyramide contient le corps du cheval, la femme à moitié nue sur la droite et le corps mutilé du chevalier sur la gauche. Sur les côtés de la pyramide, on trouve une femme avec les bras levés et la tête de la femme qui tient la chandelle à droite. Sur le côté gauche, on trouve le taureau, debout et impassible face à la situation, symbole de l'Espagne, une femme qui embrasse le cadavre de son fils et un oiseau.

Commentaire et symbolisme

Picasso a utilisé différents croquis pour le Guernica final. Ces croquis trouvent leur origine dans les cases du Songe et Mensonge de Franco, où deux planches divisées en neuf cases de manière comique ridiculisent et critiquent le régime de Franco. On dit que Guernica serait la treizième case de cette séquence. Dans les différents projets de Guernica, on apprécie toujours l'utilisation du style cubiste, également suivi et apprécié par les surréalistes, dans lequel un personnage est composé de différentes images, une image multiple. Pendant l'entre-deux-guerres, Picasso utilise encore le cubisme dans la peinture, le collage et la sculpture. La Guerre civile a marqué une nouvelle étape dans sa vie et son travail. Picasso a embrassé la cause de la République et a accepté la direction du musée du Prado. Le Guernica appartient à l'âge mûr de Picasso et est l'une des œuvres les plus importantes de l'art tout au long du XXe siècle. Il a été peint suite à l'impact qu'a eu sur le peintre le bombardement de cette ville basque le 26 avril 1937, une ville majoritairement rurale peuplée à l'époque par des femmes, des enfants et des personnes âgées, puisque les hommes étaient au front. Le choc profond que ce fait a causé à Picasso a abouti au Guernica, exposé dans le Pavillon espagnol de l'Exposition universelle de Paris cette année-là.

Symboles clés

Dans Guernica, on peut trouver différents symboles :

• Un puissant taureau, debout et impassible, symbolise le peuple espagnol.
• Le cheval, qui est au centre de la toile, symbolise la féminité de l'Espagne.
• L'oiseau qui vole entre le taureau et le cheval représente le désir de paix et de liberté.

Les autres personnages représentent l'agonie, le désespoir et la tristesse, comme en témoignent les corps déformés, la bouche ouverte et les yeux exorbités.

Rôle politique

Le Guernica était un cri contre l'idéologie et la politique franquistes et a été présenté la même année que l'attaque de la ville basque. Mais en raison du régime de Franco, le tableau a été retiré et n'a pu être retourné que cinquante ans plus tard.

Rêve causé par une abeille autour d'une grenade, Dalí

Analyse de l'œuvre surréaliste

Gala, épouse et muse de Salvador Dalí, dort sur un rocher dans un paysage marin où règne le calme. Sous son corps nu flottent également deux gouttes d'eau et une grenade au-dessus de laquelle une abeille est en vol stationnaire. Le bourdonnement de l'abeille provoque chez Gala un rêve qui se matérialise dans la partie supérieure par une autre grenade en explosion d'où sort un poisson, qui, à son tour, soulève deux tigres en colère et une baïonnette. Cette arme à feu sera, une seconde plus tard, l'aiguillon qui réveillera Gala de son repos paisible. Bien qu'en 1944, Dalí vivait aux États-Unis et venait de peindre, ce travail utilise sa « méthode paranoïaque-critique » qui, suivant les théories de Freud, soutenait la polysémie des images et fit de lui l'un des principaux membres du groupe surréaliste. Dans ces « photos de rêve peintes à la main », comme Dalí appelait souvent ses peintures, on observe un paysage d'horizons lointains et d'eaux calmes, peut-être Port Lligat, parmi lesquels, une fois de plus, Gala est la star de la scène. Avec son corps nu et endormi, en lévitation sur un rocher plat qui flotte à son tour sur la mer, Dalí place deux gouttes d'eau en suspension et une grenade, symbole chrétien de la fécondité et de la résurrection. Au-dessus vole une abeille, un insecte qui symbolise traditionnellement la Vierge. Le bourdonnement de l'abeille signifie l'esprit de Gala dans un rêve où la grenade au sommet met en scène l'intérieur d'un énorme poisson, qui, à son tour, soulève deux tigres menaçants et une baïonnette, qui sera une seconde plus tard l'aiguillon dans le bras de Gala. Au-dessus d'eux, un éléphant aux longues pattes de flamant rose, qui apparaît dans d'autres compositions de cette époque, porte sur son dos un obélisque, comme l'éléphant du Bernin sur la Piazza Santa Maria sopra Minerva à Rome, qui symbolise la puissance du Pape.

Les Demoiselles d'Avignon, Pablo Picasso

Analyse formelle et cubisme

L'analyse formelle de l'image est clairement divisée en trois zones disposées verticalement. La partie centrale est la plus classique en apparence, mais on perçoit dans ces deux figures un cloisonnement de leurs corps. Malgré cela, il y a des références à la peinture traditionnelle de nus avec une similitude particulière aux Majas de Goya, même dans leur position, comme si elles semblaient s'être couchées, avec les bras derrière la tête. Dans ces deux figures se manifeste un principe important de ce qui allait devenir la peinture cubiste : les différents points de vue qui font partie de la même œuvre. De la même manière que les Égyptiens utilisaient une loi frontale dans laquelle les figures apparaissaient avec leur visage de profil et le torse de face, Picasso place ces deux figures comme si elles étaient vues d'en haut, car cela les rend beaucoup plus reconnaissables que de les voir sur un même plan horizontal. Dans cette gamme, les couleurs sont plus classiques, moins sévères (entre le blanc et le bleu), et le ton des deux filles est plus agréable en comparaison avec celui des trois autres. Mais contrairement à ce que l'on pourrait penser au premier abord, car elles sont au centre, l'image la plus importante n'est pas dans ces figures, mais dans les lignes brisées qui structurent la toile pour nous amener à regarder au-delà du cadre. Si nous regardons l'image, nous devons revenir à la toile, encore et encore, car l'œuvre nous mène au-delà de ses limites.

Commentaire sur Picasso

Pablo Ruiz Picasso, sans doute l'artiste le plus influent du XXe siècle, est né à Malaga en 1881, fils d'un professeur d'art. Enfant, il a montré un talent impressionnant en tant que peintre et dessinateur. De Barcelone (où il a commencé à peindre), il s'installe définitivement à Paris en 1904 où il prend contact avec les Post-impressionnistes et les Fauves, et développe les périodes « bleue » et « rose ». En 1907, après Les Demoiselles d'Avignon, il commence sa collaboration avec Braque, d'où émerge (sur la base des enseignements de Cézanne) le cubisme entre 1908 et 1914. À ce moment, Picasso est en contact avec tous les mouvements artistiques de la première partie du siècle, occupe une place importante parmi les surréalistes, mais revient au classicisme dans certaines périodes de sa vie. Résidant toujours en France (après la guerre, il ne reviendra jamais en Espagne), la Chine l'a revendiqué comme peintre français, mais les thèmes utilisés et ses déclarations l'ont toujours placé dans la tradition des grands peintres espagnols, comme Velázquez (avec sa série sur Las Meninas) et Goya. C'est au cours de ces années qu'il a réalisé Guernica, l'une des icônes de la culture du XXe siècle, une dénonciation stupéfiante contre la guerre et la mort des innocents. Dans sa vieillesse, Picasso a été encore plus implacable dans sa production qu'au cours de sa jeunesse, son ombre planant sur toutes les œuvres d'art produites au cours du XXe siècle, même après sa mort à Mougins en 1973.

La Raie Verte, Henri Matisse

Analyse du portrait et du Fauvisme

L'œuvre représente un portrait de la femme de Matisse, un portrait coloré et difficile qui définit parfaitement le moment où l'auteur s'identifie à son mouvement « Fauves », ses compositions préférées, ses sujets féroces. La femme, sérieuse et capable de poser pour un portrait, les yeux légèrement décalés par rapport au devant du tableau, offre un regard de calme et de tension en même temps. Mais le plus important de la composition est l'ensemble des lignes et des couleurs qui définissent le portrait : des lignes fortement définies qui délimitent les moyens du visage et de l'habillement, et certains mélanges de couleurs, réalisés avec un manque apparent d'ordre, et un manque de bon sens dans l'application. Se distingue surtout la célèbre bande verte qui donne son titre à l'image, et qui est fortement délimitée des deux côtés du visage. Et afin de définir le plus éclairé du plus obscur, il utilise deux couleurs comme l'orange et le rose, ce qui ne correspond pas à une description naturaliste d'un portrait. La composition des couleurs dans le tableau a provoqué une horreur particulière au Salon d'Automne des Fauves en 1905, la gamme de couleurs vives étant appliquée non seulement au fond ou aux vêtements, mais aussi au visage, rendant la peinture encore plus provocatrice.

Commentaire sur Henri Matisse

La formation de Matisse est lente et alternée avec des voyages à Londres et en Italie. Sa production jusqu'en 1899 met l'accent sur les impressionnistes, mais à partir de cette date et jusqu'en 1904, une période connue sous le nom de période sombre, il est influencé par les Nabis et Cézanne, et réalise des natures mortes et des paysages d'une grande résistance de structure et de plans de couleurs, comme on le voit dans Plateaux et fruits (1901) et Bois de Boulogne (1902). En 1904, il peint Luxe, Calme et Volupté, qui suit le néo-impressionnisme, mais annonce déjà le fauvisme, qui éclate à l'été 1905 à Collioure. Cette œuvre a été fortement critiquée par Denis, qui la définit comme « la théorie du schéma ».

À Collioure, il peint des images qui sont encore proches des méthodes pointillistes, telles que Femme avec ombrelle, pour atteindre la liberté absolue et la spontanéité dans d'autres travaux tels que Vue de Collioure. Quelques mois plus tard, au Salon d'Automne, il présente une œuvre qui a été acquise par les frères Stein, Femme au chapeau, qui est importante dans l'évolution de la méthode de couleur qui l'amène à découvrir que l'interaction des couleurs d'accompagnement donne la cohérence des travaux. En 1906, il peint La Joie de Vivre, qui peut être considérée comme une œuvre traditionnelle sur le sujet, mais tout à fait moderne et libre dans son exécution. En mai 1906, il effectue un voyage de deux semaines en Algérie, où il visite l'oasis de Biskra. Il est intéressant de noter qu'il ne réalise aucun tableau là-bas, mais à son retour en France, il peint à Collioure Nu bleu (Souvenir de Biskra), dans lequel on peut observer l'influence de la sculpture africaine et l'utilisation de couleurs différenciées. Le Nu, où la ligne domine, peut se rapporter à certaines de ses sculptures. À Paris, Matisse collectionne la poterie traditionnelle et d'autres objets de Biskra qui sont représentés dans ses œuvres. L'Afrique l'enthousiasme par son exotisme, et il effectue plusieurs voyages entre 1911 et 1913 et en 1923 à Tanger, ce qui a complètement changé la lumière et la couleur dans son travail, comme on le voit dans L'Atelier de l'artiste (1911), Paysage vu de la fenêtre (1912-1913) et d'autres.