L'Art Baroque : Sculpture Espagnole et Peinture de Rembrandt

L'École de Sculpture de Valladolid : Gregorio Fernández

À Valladolid se développe, au XVIIe siècle, une importante école de sculpture dont la figure centrale est Gregorio Fernández. Son style définit les caractéristiques de la sculpture espagnole :

• Un réalisme pénétrant.
• Un expressionnisme dramatique et exalté au service du sentiment religieux.
• L'utilisation de diverses ressources visuelles.
• Une polychromie austère qui délaisse l'or.

Ses œuvres en bois polychrome traitent de thèmes religieux : retables et processions, représentations de la souffrance du Christ et de la Vierge, ainsi que des images de saints.

L'École Andalouse : Martínez Montañés

L'Andalousie connaît un plein essor artistique durant l'époque baroque. Elle adopte une sculpture réaliste différente de celle de Castille :

• Elle montre moins de goût pour le tragique et adopte un style plus détendu, serein et reposant.
• Elle fait preuve de plus de virtuosité et d'attention aux détails, avec une polychromie plus nuancée et brillante.

La révolution de Martínez Montañés

Martínez Montañés mène une révolution dans la sculpture à Séville avec une grande personnalité et un style réaliste. Ses figures sont calmes et détendues, dotées d'une beauté et d'une élégance précise. Parmi ses ouvrages, on trouve :

• L'auteur de beaux portraits (comme le Portrait de Santiponce).
• L'Immaculée Conception.
• Le Christ de la Clémence (Crucifié).
• Des statues de saints.

Rembrandt : Maître de la Peinture Baroque

Rembrandt est l'une des figures les plus brillantes de la peinture baroque. Il développe un style personnel et très innovant, qui révèle une interprétation particulière de la réalité naturelle.

• Il ne recherche pas une simple reproduction mécanique ou objective, mais souhaite transmettre une vision subjective, symbolique, émotionnelle et expressive de la réalité humaine.
• La réalité physique ou l'aspect extérieur n'est qu'un simple instrument pour exprimer des sentiments et des émotions.
• Ses compositions sont claires, simples et cohérentes, délaissant les excès théâtraux en faveur d'un langage intime et d'une sérénité profonde, mais en même temps expressive.

La Maîtrise de la Couleur et de la Lumière

Rembrandt est l'un des plus grands maîtres de la couleur et de la lumière. Il utilise une palette colorée qui gère des tons chauds et vibrants associés à des tons sombres, réalisant de superbes harmonies. Son coup de pinceau devient de plus en plus ouvert, large et puissant, ce qui adoucit et estompe les formes pour obtenir une qualité supérieure.

La lumière est un facteur déterminant dans l'élaboration de la réalité. Maître du clair-obscur et du jeu de la lumière, Rembrandt assimile l'obscurité du Caravage. Son traitement de la lumière est de plus en plus subjectif et irréel, utilisant les ombres pour suggérer une réalité transfigurée, mystérieuse, dramatique, spirituelle et poétique.

Thématiques et Œuvres Majeures

Rembrandt a exploré tous les genres : sujets religieux, portraits, paysages, natures mortes, peintures de genre et mythologie.

• Portraits : Il réalise de nombreux portraits individuels, familiaux ou de groupe, apportant des innovations importantes comme l'intégration d'une action. Ses œuvres célèbres incluent La Leçon d'anatomie, La Ronde de nuit et Le Syndic des drapiers.
• Thèmes religieux : Il traite ces sujets grâce à des compositions simples, un langage intime et une utilisation expressive de la lumière, nous plongeant dans une réalité surnaturelle et une profonde spiritualité.
• Paysages : Il transforme la réalité naturelle en une vision onirique et subjective.