L'Art du Cinquecento : Renaissance à Rome et Venise

Cinquecento : Un Siècle d'Art

Dans le Cinquecento (XVIe siècle), Rome devient le centre artistique de l'Italie. Les monuments anciens, si abondants dans la ville, bénéficient de la protection du pape Jules II et de Léon X, qui apportent de nouveaux créateurs d'œuvres d'art. Rome connaît une croissance rapide, tant en population qu'en architecture. Les bâtiments de la ville deviennent plus beaux et les rues sont élargies pour faciliter les processions. Une relation se développe, et des palais sont construits. L'effort constructif atteint son apogée sous le règne de Sixte V, qui améliore le secteur de l'eau dans la ville en utilisant les aqueducs antiques et modernes.

Les Artistes de la Renaissance

Des artistes de toute l'Italie affluent vers ce centre, où commence la construction de la nouvelle Basilique Saint-Pierre, sous la direction de Bramante, qui projette un plan en croix grecque avec un dôme central. La magnifique coupole de Michel-Ange, inspirée par le Panthéon de Rome, repose sur un tambour circulaire.

Michel-Ange : Maître de la Sculpture

La sculpture du Cinquecento est dominée par l'artiste Michel-Ange, dont la parfaite connaissance de l'anatomie humaine rend la peinture et la sculpture aisées. Michel-Ange est plus considéré comme un sculpteur que comme un peintre. Il crée un monde de géants aux muscles tendus, mais aussi des œuvres empreintes de vie. Les visages expriment la passion, les tendons des mains ou des cous semblent exploser, et les veines longent la surface des figures. Dans son Moïse, il nous fait frissonner. Il est également un sculpteur de la beauté. Dans la Pietà du Vatican, il atteint des sommets de finesse et d'idéal de beauté intemporelle, tout en transmettant un sentiment de sérénité et de repos. Dans sa vieillesse, accablé par le chagrin et la solitude, il capture ces belles figures dans la Pietà Rondanini, qui montre un Christ maigre et une Vierge affaiblie. Son traitement technique du marbre, le seul matériau qu'il ait travaillé, est remarquable.

Les Émotions et la Lumière

Ce qui importe, c'est le reflet des sentiments de la scène. Par conséquent, il utilise des modèles réels comme référence pour représenter des types de personnes. Les artistes s'intéressent à la représentation des relations entre les personnages. La couleur commence à gagner en importance, attirant l'attention du spectateur sur certains éléments de la composition. Une préoccupation croissante émerge également concernant le traitement de la lumière sur les visages, qui peut accentuer ou adoucir les expressions faciales et les gestes des personnages. Dans la transition de l'art Cinquecento, le programme de Leonard de Vinci est particulièrement marquant. Cet homme à la curiosité scientifique insatiable était peintre, architecte, philosophe et ingénieur, très original. Il fait avancer la peinture avec des œuvres comme La Vierge aux Rochers, qui présente une composition pyramidale, ou La Dernière Cène, où il développe toute la théorie du point de fuite et de perspective. Sa contribution à l'étude de la lumière est également importante, notamment avec l'utilisation du sfumato, qui crée une transition en douceur de l'ombre à la lumière, brouillant les figures pour créer une atmosphère mystérieuse, comme dans son célèbre portrait de La Joconde.

Rafael : La Perfection de la Renaissance

Rafael atteint la perfection en tant que peintre de la Renaissance, tant dans le dessin que dans la couleur et l'art de composer. Dans sa première période à Florence, influencé par Léonard, il peint de belles madones. Plus tard, il s'installe à Rome pour travailler au Vatican, où il est influencé par Michel-Ange. Là, il peint de larges scènes pour couvrir les murs, comme L'École d'Athènes, où il démontre sa capacité à représenter l'espace. Pendant ce temps, Michel-Ange, même dans ses peintures, donne à ses œuvres l'apparence de sculptures, avec des corps musclés et convulsifs, mettant en avant la beauté anatomique, semblable à celle de ses sculptures. Jules II lui commande le plafond de la Chapelle Sixtine avec des scènes de l'Ancien Testament. Plus tard, dans le mur arrière de la chapelle, il peint le Jugement Dernier. Dans ces deux œuvres, Michel-Ange allie grandeur et puissance expressive du mouvement, exprimant un esprit passionné que les experts appellent terribilità.

Venise au XVIe Siècle

Venise au XVIe siècle est une ville riche, avec un style de vie exquis. L'école vénitienne se caractérise par des coups de pinceau rapides et énergiques, créant des images d'une grande vitalité. La couleur domine le dessin, avec une préférence pour les couleurs chaudes, comme le jaune et le rouge. Cela améliore la richesse des palais de marbre éblouissants, où le luxe est omniprésent.

Titien : Le Maître de la Couleur

Titien est le premier peintre de l'école. Tout au long de sa vie, son style évolue, devenant de plus en plus intense en couleur et en technique de pinceau. Parmi ses œuvres majeures, on trouve les portraits équestres de Charles Quint à Mühlberg.

Les Thèmes de Titien

Son thème de prédilection est celui de la Vénus nue, comme dans La Vénus d'Urbino, où elle apparaît dans différentes positions. Ses sujets religieux n'atteignent jamais le frisson de l'art espagnol, mais L'Enterrement du Christ est intense avec des effets de couleur.

Véronèse et le Luxe

Véronèse recherche le luxe dans ses œuvres. Ses scènes se déroulent souvent dans des palais somptueux, où le vin et la nourriture abondent, et où les dames portent des coiffures élaborées et des bijoux riches. Dans ces environnements, il représente généralement des scènes bibliques comme s'il s'agissait de questions contemporaines. Les Noces de Cana ou Moïse à la rivière sont des exemples clairs de son art.

Tintoret : L'Art Dramatic

Tintoret, auteur de L'Évier, abandonne la sensualité des deux maîtres précédents pour explorer des compositions dramatiques où les figures sont tendues ou tordues, annonçant ainsi l'art de El Greco.