El teatro desde la Edad Media hasta el siglo XX: Evolución, géneros y dramaturgos

El teatro de calle

Se trata de representaciones teatrales que se llevan a cabo en lugares públicos al aire libre y que son gratuitas. Se utiliza la calle como escenario. Normalmente estos espectáculos son gratuitos y para los actores la calle y sus diferentes elementos juegan un papel muy importante. Aquí se encuentran los orígenes del teatro medieval, este teatro reúne a intérpretes internacionales y nacionales.

El teatro en la Edad Media

Espacio escénico

El espacio urbano tiene una importancia fundamental para la representación, puede ser una plaza, un cementerio, se trata de representaciones al aire libre. Por otro lado, también tenemos representaciones en el interior, los espacios abiertos o cerrados, como la sala de un palacio, un castillo, una escuela. En un espacio abierto, es para todo el mundo y el espacio privado es solo para ciertas personas. En el espacio público un grupo de actores construyen un escenario, sitúan algunos elementos del decorado, y simplemente comienza el espectáculo. Lo importante es la palabra, no la escenografía.

Unidades

En el período clásico (Aristóteles da las normas) se establecen las unidades de lugar, tiempo y acción.

La puesta en escena del teatro medieval

Fundamentalmente, una representación teatral medieval está destinada a crear una ilusión, la técnica no está muy avanzada y no existe la voluntad de copiar o de crear la realidad para ofrecer al espectador. A través de convenciones visuales y sonoras, por ejemplo, en el Martyre de Sainte Apolline un árbol representa el paraíso, una mesa representa una sala de comedor, una cama representa la habitación, el trono representa un castillo, con estos elementos se permite al espectador ver dónde están.

La complicidad del espectador es muy importante, esto quiere decir que en cada instante los actores informan al público dónde están, dónde van a ir y de dónde vienen, y a veces estas informaciones se insertan en el diálogo.

Efectos especiales

En general, el teatro medieval utiliza decorados muy modestos, pero hay una excepción como en el teatro religioso y estas excepciones son constantes en las representaciones del misterio. En diferentes representaciones del misterio se busca seducir al público. En lo alto está el paraíso y abajo está el infierno.

Las compañías teatrales medievales

Los actores se desplazan de pueblo en pueblo. El teatro es un asunto de aficionados. Los actores profesionales aparecen en el siglo XVI. Y al final de la Edad Media tenemos la basoche y la cofradía.

La basoche está formada por una asociación de estudiantes de derecho que organizan fiestas en las ciudades, normalmente en París y Lyon. Normalmente representan sotties, farsas, moralidades.

Una cofradía se trata de una asociación urbana con una vocación literaria que posee una advertencia oficial y el monopolio de la representación de un misterio. Son fraternidades que se ponen bajo la protección de un santo que se ocuparía de la salvación al final de su vida. Se representan una vez al año.

Las primeras representaciones teatrales

Los orígenes del teatro religioso

Dos modalidades:

• Los milagros: representados entre el siglo XIII y XIV, desde el punto de vista formal son representaciones breves; una puesta en escena sencilla. No vamos a encontrar acotaciones. Los versos utilizados son octosílabos. El tema fundamental es un pequeño drama que apela a un santo o a la Virgen y el más importante es Le Jeu de Saint Nicolas. Algunos milagros desarrollan una devoción esencialmente mariana. En la representación los diálogos están entrecortados por lenguas y numerosas oraciones a la virgen. Los milagros permiten expresar los temores y las aspiraciones de un público y de una sociedad amplia, modesta, sin aspiraciones.
• Los misterios: la representación se sitúa en el siglo XIV y XV, los misterios se multiplican, van a tomar el relevo. Se representan cada vez menos milagros. Los temas principales de los misterios son la cultura y la Biblia.
  • La cultura se construye a partir de la cultura monoteísta y politeísta.
  • La pasión de Cristo se va a narrar en el Antiguo Testamento (ofensa) y el Nuevo Testamento (redención).
  • Los misterios son obras monumentales.

El teatro francés en el siglo XVII

3.2. Corneille

3.2.1. Las comedias de Corneille

Richelieu condena a Corneille por escribir una pieza que combinaba comedia y tragedia. Las piezas de teatro de Corneille son de inspiración griega, bíblica, romántica, historia de la Edad Media de España.

En 1629 se representa por primera vez en París Mélite, un tema que interesó en el siglo XVII y en el siglo XX. El gran éxito de esta pieza se debe a:

• El autor Corneille transpone la temática pastoril aristocrática a la comedia burguesa.
• Supresión de toda vulgaridad.
• La utilización de un estilo natural propio de los hombres honestos.

Después de esta pieza de teatro Corneille triunfa en París. Va a comenzar a escribir piezas de teatro que son interesantes. La veuve y La Suavizante.

En 1633 va a representar Clitandre, adaptada al rock y punk. Se trata de una comedia...

La gran novedad es la siguiente:

• La introducción de personajes nobles en una comedia. La Place Royale, en esta pieza de teatro el autor va a introducir los personajes típicamente cornelianos, es el personaje libre guiado por la libertad. Es el símbolo principal del personaje de Corneille. Otra característica de esta pieza de teatro en general es el realismo y la fantasía.

3.2.2. Las tragedias de Corneille

El gran triunfo de Corneille es Le Cid, que triunfó en París. Se trata de una pieza de teatro donde se combina el idealismo romántico, diversidad de tiempo, lirismo, grandeza épica y finalmente un desenlace feliz. Es decir, tragicomedia. Todo lo que no se adaptaba a la tragicomedia es censurado.

• Consecuencia de Le Cid: Querelle du Cid, es decir, una vez que la pieza de teatro es escrita y representada, la obra provoca la Querelle du Cid, hay que escucharla y es publicada. En esta querella participan teóricos, público, hombres que van a apoyar la pieza de teatro. Otros la van a condenar o van a acusar a Corneille de no respetar las tres reglas de las unidades. Van a acusar a Corneille de no respetar las tres unidades ni la bienséance. Corneille, que es muy orgulloso, se aleja de París, se instala en Rouen donde va a permanecer 3 años. En 1640 regresa con la pieza de teatro Horace solo con la finalidad de demostrar que es capaz de escribir una pieza de teatro adaptada a las reglas y la bienséance. A partir de ahí escribió piezas de tragedia, comedia e inspiraciones diversas y poco a poco su genio se va apagando.

A) El universo heroico corneliano

En todas sus tragedias, Corneille exaltó el ideal orgulloso de la grandeza humana y cuyos héroes son hombres mediocres. Sus héroes serán fieles a la idea de la gloria, la gloria que no está dada a todos los hombres, los mediocres, que se caracterizan por la ausencia de este valor. Comenzamos con los diferentes aspectos de la gloria.

Para Corneille la dignidad del hombre se sitúa en su libertad.

A saber: la posibilidad que posee ante una situación concreta de tomar una decisión, y de actuar en función de ella.

Visiones de la gloria:

Cada héroe daría una visión particular de lo que para él constituye la gloria.

A.1. La gloria y el deber social

Casi todos los héroes son aristócratas y deben actuar en función del estatus que ocupan en la sociedad.

A.2. La gloria y el deber moral

Ya que los héroes cornelianos presentan una alta virtud.

A.3. La gloria y la pasión

Porque a veces los personajes desean una pasión amorosa que es contraria a las leyes divinas y humanas.

A.4. La gloria por la gloria

Es cuando los personajes quieren actuar de una forma gratuita y funesta, la consecuencia de todo esto es la existencia.

A.5. La voluntad, instrumento de la gloria

Es también la obertura suprema del héroe corneliano. Tenemos la voluntad sufriente y la voluntad triunfante. En Le Cid triunfa Rodrigue y sufre Chimène. Chimène es el personaje que muestra la tristeza y la rige. Los otros personajes se debaten en el tormento interior y cumplen su proyecto sin incitación.

B) El sistema dramático

En principio, Corneille pretende subvertir el sistema.

• Corneille y la tragedia antigua: todas las tragedias griegas se caracterizan por la fatalidad (el infortunio) que afecta a los héroes y heroínas y Corneille toma la fatalidad y el destino. Esta fatalidad está determinada por una circunstancia exterior como Dios, pero hay una gran diferencia con respecto a las piezas griegas que es la posibilidad de elegir su destino. Los héroes cornelianos tienen la posibilidad de elegir su destino al contrario que los héroes griegos que su destino está sujeto al castigo. Voluntad de la divinidad y Corneille hace que el hombre pueda gestionar su vida. En todo caso, si la divinidad interviene es para ayudarlo.
• Corneille y las reglas: Corneille tiende a liberarse de las reglas y hace un esfuerzo por adaptarse a ellas pero no se sentía cómodo.
• Corneille y la verosimilitud: la verosimilitud está presente en todas las piezas de teatro cornelianas. Se puede decir que se trata de su gran lema porque consigue combinar la verosimilitud con la verdad histórica (historia española y lorena) como en Le Cid.

El teatro francés en el siglo XVIII

En el siglo XVII; período del Barroco y del Clasicismo.

Racine tiene obras de inspiración clásica como Phèdre, Iphigénie, Alexandre y de inspiración bíblica como Esther, todos los personajes son femeninos. Solo escribe tragedias.

• La intriga raciniana: han sido elegidas para mostrar caracteres, personalidades, naturales a las que va a introducir en situaciones ordinarias (están sacadas de la vida cotidiana). Por ejemplo, Andromaque (1667), mujer abandonada por su marido que se venga. En todas sus piezas de teatro Racine emplea la historia para dar más dignidad a los personajes, también para transportar la acción a un pasado lejano y poético (poeticidad) y por otro lado para provocar o introducir la originalidad de las civilizaciones legendarias pero en todo caso, la historia y la leyenda (la mitología) son introducidas pero serán modificadas por el autor para hacerlas mucho más verosímiles. Las modificaciones son la supresión de ciertas particularidades históricas, la deformación de los personajes o la invención de personajes. Para Racine la leyenda-historia se convierte en un pretexto. Las adapta.
• La concepción de los héroes racinians: la principal característica es la fatalidad trágica que se produce cuando los personajes poseen un destino desgraciado a pesar de todos los esfuerzos que realizan. Las heroínas y los héroes están marcados por la fatalidad trágica y durante toda la representación los personajes desarrollan inicialmente una lucha desesperada contra esta fatalidad trágica, contra esta fuerza superior que limita la voluntad. Luchan pero no tienen éxito. Esto provoca la tensión en el espectador, el autor busca seducir al espectador, mantener esta tensión para tener éxito. Por otro lado, las tragedias racinianas constituyen el espectáculo de una fatalidad que triunfa sobre la fuerza humana. La pasión es el sentimiento que domina (pasión religiosa, amorosa, política) poderosa y entre todas el amor físico es la más compleja y la más temible y es mucho más poderosa en la mujer que en el hombre porque las mujeres están menos ocupadas que los hombres y su ocupación es el tema.
• Otra característica es la ausencia de voluntad, precisamente los personajes racinianos no tienen libertad, luchan contra el destino, los hombres no pueden hacer nada.

Principales características de la acción raciniana: La acción dramática es generalmente simple y está cargada de pocas materias subordinadas a los caracteres, abocada a una crisis psicológica interior provocada por los sentimientos y finalizada con una muerte (suicidio o asesinato). En cuanto al mecanismo trágico, se desarrolla el drama y la fatalidad está presente y suspendida desde el principio de la pieza, se acentúa en el desarrollo (encontramos una crisis que es muy intensa) y al final el desenlace con un suicidio o un asesinato, en todo caso tenemos sangre y lágrimas. Ejemplo: Phèdre: heroína, ayudante; Oenone (muere por Phèdre), fatalidad: Phèdre se enamora de su hijastro. No puede controlar la pasión. Es a través de confidencias como el público conoce la historia. El final es el envenenamiento de Phèdre. Todas las claves del teatro de Racine las podemos ver en Phèdre.

3.4. La creación de la comedia moderna: Molière

Molière: Su nombre real es Jean-Baptiste Poquelin, parisino. Es hijo de un ayuda de cámara, pertenecía a la burguesía de Luis XIV. Va a estudiar con los jesuitas y es allí donde va a entrar en contacto con los dos grandes autores de la comedia clásica que son: Plauto y Terencio y después de sus estudios va a estudiar derecho en la Universidad de Orleans pero en 1643 Molière conoce a Madeleine Béjart, una actriz, y despierta en él la pasión por el teatro, la pasión por la comedia. Decide abandonar su destino en la corte y con la familia del Ilustre Teatro. Comienza a representar piezas de teatro en París, pero la competencia le obliga a marcharse a Provenza. Decide volver a París. Durante este período en Provenza, Molière comienza a escribir piezas de teatro, después de un tiempo entra en París y triunfa, muere en 1663 en escena y con un éxito enorme.

Características que definen su teatro:

• Carácter o personalidades: espíritu satírico de un parisino, la cultura y el buen sentido del burgués, el optimismo de un filósofo que se llama Gassendi, dedicación absoluta a su profesión de teatro. Molière representa al 100% al hombre de teatro. Todas las figuras del teatro.
• Aventura y fantasía y una imaginación extraordinaria.

3.4.1. Sistema dramático de Molière:

La concepción de la comedia se va a formar poco a poco en varias etapas y responde a la siguiente fórmula: pintar, divertir y corregir. Pintar de carácter general pero sobre el aspecto de los defectos de su siglo. La pedantería, la religión. Una comedia que está destinada a gustar y las reglas serán o no respetadas (no es un problema para él). Corregir los principales defectos de los hombres.

• La intriga: Molière va a elegir muy bien las intrigas para mostrar los caracteres, va a crear situaciones ordinarias, cotidianas, normales de la vida.
• La acción: las acciones de Molière están subordinadas al carácter y a la lógica de la reacción normal, están construidas en razón de la reacción normal. Están muy bien expuestas, organizadas, con un encuadre cronológico. Si la finalidad es hacer reír al espectador, va a hacer interpretar y distribuir cada momento y cada escena en cada momento. Los personajes secundarios van en todo momento a contar la vida de los principales actores. Está mal educado. Se podría casar. Es muy misántropo. Es muy avaro, al final no es avaro ni ridículo.
• Los caracteres de Molière: 1. Verdad humana: encontramos tipos humanos, el hipócrita, el avaro, el necio, siempre son de actualidad, se observa que el medio social está muy bien elegido para mostrar todas las consecuencias del vicio en el hombre o los defectos. El autor va a exagerar o hiperbolizar el carácter, muy avaro, muy necio... 2. Verdad contemporánea: deriva del medio en el que actúan los personajes. Puede pertenecer a la corte, a la nobleza y la justicia, a los aristócratas. Aristócratas depravados como Don Juan, aristócratas honestos, pequeña nobleza, visión muy negativa. Los personajes son de la ciudad que serán las principales profesiones, en primer lugar la burguesía, grande, mediana, pequeña, médico, medicina ridícula, comerciante, profesor, danza, abogados, salones. Molière se va a burlar de los salones, va a exagerar hasta el punto de ser vulgar y ridículo. En Provenza va a encontrar la pequeña nobleza, el pueblo, los campesinos. En las comedias de Molière encontramos un pequeño toque trágico, malicioso.
• La verdad cómica de Molière: la comicidad de Molière que es profundamente humana, bufonesca, comicidad de farsa: bofetadas, golpes de bastón, besos que se dan entre personas, ceremonias bufonescas. Comicidad de palabras: juegos de palabras destinados a relajar. Comicidad mecánica de interrupción: un personaje no puede expresar su pensamiento porque otro lo interrumpe todo el tiempo. Comicidad de contraste, comicidad de exageración, comicidad de repetición. Comicidad de situación: la más importante: Molière saca el máximo provecho de su eficacia cómica pintando personajes que se creen o se hacen pasar por lo que no son; explota las situaciones falsas.

El teatro francés en el siglo XVIII

Pregunta 3 Suki: noción de espectacular y patético en el teatro dramático XVIII Raquel???

1.2.1. Lo espectacular

Lo espectacular, lo patético, lo filosófico. Todas las piezas del siglo XVII se centran en la atención al texto. Voltaire va a rechazar lo espectacular, para ello modera la aplicación de las tres reglas, modera la utilización de tres elementos: lugar, tiempo y acción. Voltaire considera que debe ser visible al espectador, al público, todas las acciones, eventos, diálogos.

1.2.2. Lo patético

El patetismo: también hay cambios porque en las nuevas piezas trágicas, lo patético sustituye a lo heroico; consecuencias, los autores van a dejar de lado los grandes asuntos políticos y van a preferir introducir escenas pertenecientes a la vida privada de los personajes (en Racine y Corneille no funciona, para ellos está la política). Los sentimientos de los personajes.

1.2.3. Lo filosófico

Lo filosófico: el siglo XVIII, el Siglo de las Luces, en esta tragedia el aporte filosófico es muy importante porque los autores van a dar una finalidad pedagógica a la representación. La representación constituye un espacio público donde combatir los prejuicios y defender las nuevas ideas.

El teatro francés en el siglo XIX

Victor Hugo. Los principios del drama romántico del XIX

1. El teatro romántico

1.1. La influencia de la historia

Hay que comprender un cierto número de acontecimientos sociopolíticos, fundamentalmente la memoria de la Revolución y del Imperio para comprender la intensidad de los debates que rodean el nacimiento de la teoría romántica. Los diferentes cambios sociopolíticos vividos provocan que se mire a la historia en busca de claves para comprender el pasado reciente o el presente, también las dramaturgias del siglo XIX van a seguir los trabajos de los historiadores. En el siglo XIX se ha comenzado a analizar, a conocer la historia, cómo se llega a la Revolución Francesa, cómo se llega a la democracia... Entonces la creación dramática va a buscar la creación histórica. En las piezas teatrales la historia va a ser muy importante.

1.2. La aspiración al realismo: Victor Hugo

La teoría teatral romántica va a retomar a su vez la inspiración en el realismo del siglo XVIII o bien la influencia del realismo en la novela. Entonces, por un lado, el teatro romántico que retoma la historia o en esta pieza retoma historias contemporáneas. Tenemos dramaturgias realistas con diferentes facciones ideológicas o políticas. Ejemplo: Victor Hugo, que es monárquico liberal, y vamos a ver la teoría teatral de Victor Hugo, autor de Cromwell, en su prefacio va a realizar, componer un manifiesto para una nueva dramaturgia. La característica más importante es la presencia de la historia. Victor va a utilizar la historia, es una lectura moderna, va a distinguir tres grandes etapas en la historia de la humanidad. Considera que a cada etapa, que a cada una de las épocas corresponde una forma propia de expresión literaria.

1. El tiempo primitivo: los hombres, aún cercanos a la inocencia original, se dedican a la vida pastoril, son ingenuos y piadosos. Espontáneamente, crean formas poéticas. Es la edad del lirismo.
2. Los tiempos antiguos: los estados se constituyen, la guerra nace de su constitución misma. La poesía, para cantar la guerra, evoluciona del lirismo espontáneo al poema heroico o a la tragedia. Es la edad de la epopeya.
3. Los tiempos modernos: el espiritualismo cristiano opone el cuerpo al alma, la tierra al cielo. El hombre siente el combate que se libra en él entre las tendencias resultantes de sus dos naturalezas. Esta oposición se define en la forma dramática. Es la edad del drama. El teatro.

Victor Hugo considera que el drama debe ilustrar la idea cristiana del hombre que está compuesto de dos seres (el alma y el cuerpo), el alma que es inmortal, y el cuerpo que es material. Victor Hugo va a realizar la teoría teatral.

1. Mezcla de géneros: separar los géneros es aislar arbitrariamente tal o cual aspecto del hombre, unirlos es expresar al hombre en su totalidad. El drama debe mezclar lo grotesco con lo sublime.
2. El abandono de las unidades: las unidades de tiempo y de lugar son contrarias a la verosimilitud, pero la unidad de acción o de conjunto, la única"verdadera y fundad", debe mantenerse.
3. El color local: el decorado debe dar la impresión de la vida, el color histórico y geográfico debe impregnar el fondo del drama y no ser aplicado artificialmente.
4. La libertad en el arte: hay que proscribir la imitación que esclaviza al genio, liberar el estilo, evitar la tirada. El uso del verso, sin embargo, no es incompatible con lo natural, y la rima debe ser cultivada como la"suprema gracia de nuestra poesí".

1.3. Derrocamiento de las reglas

Cada dramaturgia podría desarrollar su estética particular según su proyecto y su visión del mundo, la dramaturgia no debería, por lo tanto, adoptar obligatoriamente los dogmas estéticos formulados por las generaciones precedentes. En resumen, un culto a la individualidad creadora, el culto al genio. Egotismo; hablar sobre sí mismo,"y", yo, yo.

Por primera vez se impone una teoría teatral que afirma la soberanía del creador y, por el contrario, la inutilidad del dogmatismo doctrinal, sin embargo, encontraremos dramaturgias que van a sostener, defender el aspecto de las tres reglas, consideran que las tres reglas no son obstáculos sino un enorme caudal de reflexión y experiencia.

1.4. La historia para dominar el presente

La nueva generación (generación romántica) desea poner en escena un pasado más o menos lejano donde los destinos individuales y las convulsiones políticas están estrechamente imbricados. Esta historización va a permitir a la escena asumir una función pedagógica a través de sus piezas de teatro. El autor conduce al espectador a forjar su identidad nacional.

El teatro en el siglo XX

El descubrimiento del teatro de Bertolt Brecht

Festival Internacional de París. 1954: Berliner Ensemble, compañía teatral que va a representar una pieza de teatro que se llama Madre Coraje y sus hijos. Bertolt es director de escena, dramaturgo, crítico de teatro y poeta alemán. Va a escribir un nuevo teatro donde va a fusionar el realismo y la estilización. Bertolt va a proclamar la necesidad de acabar con una fórmula teatral que pueda cegar al espectador, un teatro capaz de movilizar el sentido crítico del espectador. Quiere un teatro que incite al espectador a descubrir por sí mismo la verdad. Para provocar al lector, emplea la contradicción.

3.2. Discípulos franceses de Bertolt Brecht: Roger Planchon y el Teatro del Sol

• Roger Planchon: gracias a Roger Planchon el teatro épico se impone en Francia entre 1955 y 1960, es autor y director de escena, va a asociar íntimamente teoría y práctica, escritura y puesta en escena, a través de sus piezas de teatro. El autor ensaya la dramaturgia, ensaya contar cierta realidad sociohistórica francesa; Bleus Blancs Rouges (Revolución Francesa, colores de la bandera). En estas piezas de teatro el autor va a combinar los conflictos políticos, los conflictos individuales, los conflictos sentimentales.
• El Teatro del Sol: Ariane Mnouchkine. Muy influenciada por Bertolt Brecht, la realidad juega un papel muy importante, va a introducir de nuevo las máscaras.

2.3.1. Jean Paul Sartre

En sus dramas va a privilegiar ese momento fundamental donde la libertad se elige en situaciones particulares, es decir, en el momento en que la posibilidad de actuar, de comprometerse y suprimir la libertad del individuo se derrumba, es entonces cuando la condición humana se reduce a una condición paralizada y estéril; La puta respetuosa (1946) (el mensaje es la responsabilidad del individuo. Garcin ha desertado de la guerra y Estelle ha asesinado a su hijo.

2.3.2. Albert Camus

Nació en Argelia, de origen español. El gran tema en sus piezas de teatro es el absurdo de los actos gratuitos. El segundo tema es la revuelta asociada a la conquista de la libertad y la creencia en la fraternidad.