Histoire de la musique : du Baroque au Classique

Le style Rococo en musique (1700-1755)

Le Rococo, ou style Louis XV, est un art de salon qui a dominé la première moitié du XVIIIe siècle en France. À cette époque, la France était le phare intellectuel et moral qui guidait toute l'Europe. Le château de Versailles et ses académies étaient imités dans toute l'Europe.

Le Rococo est essentiellement un art ornemental et décoratif. Il se distingue par l'utilisation abondante de :

• Rocailles et coquillages aux formes irrégulières et asymétriques
• Lignes ondulées
• Motifs végétaux comme les feuilles et les guirlandes
• Meubles, porcelaines, chinoiseries, miroirs et tapisseries

En peinture, les sujets de prédilection sont les fêtes galantes et les scènes pastorales et bucoliques. Watteau, Boucher et Fragonard sont les meilleurs représentants de cette vie frivole et agréable.

Ce même art galant, frivole et sensuel, influence également la musique. Les arts et la musique des salons du XVIIIe siècle évoquent les chevaliers en perruques bouclées, les dames en crinolines et chapeaux, les pas de menuets et de rigaudons, ainsi que les scènes pastorales dans les parcs et prairies.

Caractéristiques musicales et instruments

L'amélioration des instruments donne naissance à l'art symphonique. Les instruments de prédilection sont le violon et le clavecin, qui partagent la vedette avec la flûte.

• La clarinette fait son apparition.
• Le basson et le hautbois, déjà existants, continuent leur développement.
• Le piano est inventé en 1709 par Bartolomeo Cristofori.

Avec l'introduction du violon dans l'orchestre par Corelli, différentes écoles et techniques d'interprétation se forment. Les promoteurs de cette technique sont : Leclair en France, ainsi que Vivaldi et Veracini en Italie, auxquels se joindront plus tard Viotti, Geminiani, Kreutzer et Stamitz.

En Italie, outre Albinoni, Dall'Abaco, Locatelli, B. Marcello, Geminiani et Veracini, les noms les plus remarquables sont ceux de Vivaldi et Tartini pour le violon, et Domenico Scarlatti pour le clavecin.

En France, le violoniste le plus remarquable est Leclair, qui représente l'apogée des sonates et concertos français. L'instrument qui représente le mieux le style rococo français est le clavecin. Les deux figures majeures du clavecin français sont François Couperin et Jean-Philippe Rameau.

De manière générale, on peut dire que les genres et les formes instrumentales ont vu le jour au XVIIe siècle. D'autres compositeurs du Rococo incluent Christoph Willibald Gluck et Giovanni Battista Pergolesi.

Les compositeurs de la transition entre le Rococo et le Classicisme sont : Johann Stamitz (créateur de la symphonie de Mannheim), Carl Philipp Emanuel Bach (créateur de la structure de la sonate), Johann Mattheson et Georg Philipp Telemann dans le nord et le centre de l'Allemagne, ainsi que Luigi Boccherini à Madrid.

La période classique (1750-1820)

La période classique commence vers 1750 et se termine aux alentours de 1820. En histoire de la musique, ce courant est spécifiquement appelé "période classique", pour le distinguer de l'usage plus général du terme "musique classique" qui désigne la tradition musicale savante occidentale.

Dans les autres arts, cette période correspond à la redécouverte et à l'imitation de l'art gréco-romain, considéré comme un idéal. En musique, il n'existait pas de modèle antique, car aucune partition de l'époque grecque ou romaine n'avait été conservée.

La musique de la période classique recherche un équilibre parfait entre l'harmonie et la mélodie. Ses principaux représentants sont Haydn, Mozart et le premier Beethoven. Ce dernier marque un tournant dans l'évolution de la musique tonale, s'éloignant de plus en plus du centre tonal et initiant ainsi l'époque romantique.

Les instruments de la période classique

Certains instruments apparaissent durant cette période, comme le piano-forte, la clarinette et l'arpeggione. Bien que la plupart des instruments de l'orchestre symphonique existaient déjà à l'époque baroque, beaucoup d'entre eux, comme le basson, le hautbois et la contrebasse, atteignent leur maturité durant cette période. Alors que de nouveaux instruments se développent, d'autres tombent en désuétude, presque jusqu'à l'extinction : la viole de gambe, le clavecin, la flûte à bec (qui réapparaîtra au XXe siècle), le luth, etc. Le piano s'impose face au clavecin et occupe une place centrale dans la musique de chambre, les concerts et les récitals solo, une tendance qui s'accentuera durant le romantisme.

Harmonie, texture et formes musicales

Vers 1750-1775, les genres instrumentaux comme la symphonie et le concerto avaient acquis suffisamment d'importance pour être joués indépendamment de la musique vocale, rencontrant un grand succès dans les cours européennes. Le compositeur emblématique de cette époque est Joseph Haydn. En plus de symphonies à la structure claire, il a écrit des sonates pour le piano, le nouvel instrument à clavier qui permettait de plus grandes capacités expressives. Il est également considéré comme le "père du quatuor à cordes", car ses œuvres pour cette formation témoignent d'une grande sophistication mélodique et harmonique, contribuant à fixer la forme du quatuor telle que nous la connaissons aujourd'hui.

Les règles harmoniques principales étant déjà établies à la période précédente, les changements les plus importants concernent la texture. Le style classique est plus pur et équilibré, utilisant souvent une mélodie accompagnée (homophonie). La basse d'Alberti (une forme d'accompagnement où les accords sont arpégés) apparaît et s'impose. Ce style s'oppose au contrepoint surchargé et imitatif de l'époque baroque, car l'idéal classique est l'équilibre et l'harmonie.

Grâce au développement des instruments, une plus grande variété de nuances et d'articulations est utilisée. Les mélodies deviennent plus chantantes (cantabile) et la forme musicale acquiert une importance particulière. C'est durant cette période que se définissent clairement les structures qui fondent la musique savante occidentale jusqu'à nos jours : la symphonie, le concerto et la sonate classique.

La forme sonate

La sonate comporte généralement trois ou quatre mouvements. Le premier mouvement suit une structure en trois parties :

1. L'exposition : Le compositeur présente deux thèmes contrastés.
2. Le développement : Une section où les deux thèmes sont développés et confrontés.
3. La réexposition : La tension harmonique se résout avec le retour des thèmes initiaux.

Le deuxième mouvement, lent, est souvent de forme lied (A-B-A), plus doux et lyrique. Le troisième mouvement est plus léger, généralement sous la forme d'un menuet ou, chez Beethoven, d'un scherzo. Le quatrième mouvement adopte presque toujours la forme du rondo, qui alterne un refrain avec des couplets variés.

La sonate est écrite pour un instrument soliste ou pour un petit ensemble (duo, trio). Lorsqu'elle est écrite pour un ensemble de chambre plus large, on parle de quatuor, quintette, etc. Si elle est destinée à un orchestre, elle est appelée symphonie. Si elle est pour un orchestre avec un soliste, c'est un concerto.

La musique baroque (1600-1750)

La musique baroque est le style qui domine en Europe durant le XVIIe siècle et la première moitié du XVIIIe, avant d'être remplacé par le classicisme vers 1750-1760. Née en Italie, elle atteint son apogée en Allemagne durant le baroque tardif. C'est l'une des périodes les plus riches et créatives de l'histoire de la musique. De nouvelles formes et techniques sont développées : le chromatisme, la basse chiffrée, les contrastes d'intensité, ainsi que de nouveaux genres comme l'opéra, l'oratorio, la cantate, la sonate, la toccata, la suite et la fugue.

La basse continue (Basso Continuo)

Aussi appelée "basse continue", c'est un système développé au début de la période baroque, qui fonctionne comme une sorte de sténographie musicale. Cette technique permettait au compositeur de n'écrire que la ligne de basse et la mélodie, en chiffrant la basse pour indiquer les accords à réaliser par l'interprète. La réalisation de la basse continue nécessite au moins deux instruments : un instrument mélodique grave (viole de gambe, violoncelle, etc.) et un instrument harmonique (clavecin, orgue, etc.) qui improvise les harmonies.

Le système tonal

Le système tonal est une évolution des modes ecclésiastiques médiévaux. Il atteint son apogée avec Bach et restera le fondement de la musique occidentale jusqu'aux compositeurs post-romantiques.

Le baroque italien

En Italie, durant les XVIIe et début du XVIIIe siècles, la musique vit son âge d'or. Elle est à la recherche de la splendeur artistique et met en scène la tension entre le divin et l'humain. Le theatrum mundi (théâtre du monde) italien vivait sous le précepte de "delectare et movere" (plaire et émouvoir). La sprezzatura (une sorte de nonchalance étudiée) a cédé la place au plus grand spectacle de la voix humaine : l'opéra.

Le concerto grosso et l'orchestre italiens sont devenus le prototype pour toute l'Europe occidentale. Les castrats (comme Caffarelli ou Carestini) ont joué un rôle majeur, incarnant les contrastes du baroque. Le violon italien est devenu le véhicule idéal pour la virtuosité de l'interprète. Des exemples de cette époque incluent les concertos de Pietro Locatelli, les concerti grossi d'Arcangelo Corelli, et bien sûr Les Quatre Saisons d'Antonio Vivaldi (surnommé il Prete rosso, "le prêtre roux").

Le baroque allemand

Les principaux compositeurs du baroque allemand sont Heinrich Schütz, Dietrich Buxtehude, Georg Philipp Telemann et Johann Pachelbel.

Georg Friedrich Haendel (1685-1759)

Haendel est, avec son contemporain Bach, l'un des compositeurs les plus importants de la première moitié du XVIIIe siècle. Né en Allemagne, il s'installe en Angleterre où il devient l'un des plus grands compositeurs britanniques. Son œuvre est immense, avec plus de 600 compositions. Parmi ses œuvres les plus célèbres, on peut citer ses opéras (Jules César), ses oratorios (Le Messie), et ses suites orchestrales (Water Music et Music for the Royal Fireworks).

Johann Sebastian Bach (1685-1750)

Jean-Sébastien Bach fut un organiste et compositeur allemand, membre d'une des plus extraordinaires familles de musiciens de l'histoire. Son œuvre prolifique est considérée comme le sommet de la musique baroque et l'un des pinacles de la musique universelle, pour sa profondeur intellectuelle, sa perfection technique et sa beauté artistique. Bach a eu une influence considérable sur les musiciens ultérieurs, notamment après sa redécouverte par Felix Mendelssohn. Ses œuvres les plus importantes comptent parmi les plus transcendantes de la musique classique. On peut citer notamment :

• Les Concertos brandebourgeois
• Le Clavier bien tempéré
• La Messe en si mineur
• La Passion selon saint Matthieu
• L'Art de la fugue
• L'Offrande musicale
• Les Variations Goldberg