Maîtres et Mouvements Clés du Baroque : Velázquez, Rubens, Rembrandt

Diego Velázquez (1599-1660) : Maître du Siècle d'Or

Diego Velázquez fut l'un des premiers à utiliser la perspective aérienne, une technique qui crée une sensation de profondeur en traduisant l'atmosphère. Cela est rendu possible par la couleur et la lumière, les objets apparaissant plus pâles et brumeux à mesure qu'ils s'éloignent.

Les débuts à Séville et la perspective aérienne

Sa première période se déroule à Séville. Il fut apprenti dans l'atelier de Francisco Pacheco, dont il épousa la fille. À cette époque, ses toiles sont sombres et il utilise des couleurs sombres et opaques. Il montre également un intérêt particulier pour la représentation des qualités des tissus et des objets.

Première période à Madrid et l'influence du Titien

Il s'installe à la cour, marquant le début de sa première période à Madrid. Il travaille surtout comme portraitiste, réalisant plusieurs portraits du comte-duc d'Olivares. Ses portraits rappellent ceux du Titien, bien qu'ils aient un fond plus clair. C'est à ce moment que Velázquez quitte les couleurs sombres de sa période sévillane et éclaircit sa palette, tendant vers les roses et les blancs.

Premier voyage en Italie et l'évolution de la palette

Lors de son premier voyage en Italie, sa palette subit un nouveau traitement : il abandonne les tons sombres, s'intéresse à l'étude du paysage et à la capture de l'atmosphère, et son coup de pinceau devient plus fluide.

Retour à la cour : période féconde et portraits royaux

De retour à la cour de Madrid, il entame sa période la plus longue et la plus féconde. Il dépeint les membres de la famille royale et est impliqué dans la décoration du Palais du Buen Retiro. Des portraits équestres apparaissent. L'œuvre la plus importante de ces années est «La Reddition de Breda» (ou «Les Lances»).

Deuxième voyage en Italie et les chefs-d'œuvre finaux

Lors de son deuxième voyage en Italie, il rapporte des idées pour la décoration du Real Alcázar. Velázquez est reconnu comme un grand peintre, et même le Pape Innocent X lui commande son portrait. Il retourne en Espagne et entame sa dernière période de peinture, produisant des chefs-d'œuvre comme «Les Fileuses» ou «Vénus au miroir». Peu de temps après, il réalise son tableau le plus célèbre, «Les Ménines».

Le Néoclassicisme : Origines et influences

Au milieu du XVIIIe siècle, un nouveau style a commencé à se développer, qui est étroitement lié à trois phénomènes majeurs :

Trois phénomènes clés du Néoclassicisme

1. Le triomphe des Lumières, un mouvement culturel prônant la prédominance de la raison. Dans l'art, le style baroque était perçu comme lié à l'Ancien Régime en raison de son excès de décoration et de son goût pour la frivolité.
2. L'admiration pour l'art classique, renforcée par la découverte des ruines de Pompéi et d'Herculanum.
3. Ce retour au goût classique fut renforcé par le triomphe des révolutions politiques aux États-Unis et en France, qui s'étendirent ensuite à une grande partie de l'Europe. Les révolutionnaires adoptèrent les formes classiques comme art officiel du nouveau régime politique libéral.

Rubens : Maître du Baroque Flamand

Rubens est l'artiste qui représente le mieux l'école baroque flamande. Il a eu une grande influence sur les peintres de son temps. Il a abordé tous les genres : portraits, peintures religieuses, mythologiques, historiques...

Caractéristiques stylistiques de Rubens

1. Ses compositions sont caractérisées par des lignes obliques, de forts contrastes de lumière (influencés par le Caravage), des figures musclées et dramatiques (à la manière de Michel-Ange), des attitudes expressives et des groupes asymétriques.
2. Son travail est devenu plus équilibré et il a commencé à utiliser des couleurs plus froides, mais surtout, ses figures ont gagné en plasticité, imitant l'école hellénistique. Ce traitement est accordé aux thèmes mythologiques, où il a représenté un nombre limité de personnages au premier plan et a donné aux scènes un air de soulagement.
3. Il a commencé à utiliser des tons argentés pour représenter le paysage ouvert et plus chaud. Cela apporte du lyrisme à son travail. Il s'est ensuite surtout consacré au paysage, et les couleurs et les lignes sont devenues plus légères, donnant à ses œuvres une touche plus impressionniste.

L'organisation de l'atelier de Rubens

Les commandes étaient si nombreuses qu'il a dû devenir plus actif et a organisé un atelier pour répondre à ses engagements. Il avait environ 200 apprentis. La conception était réalisée par le maître, qui faisait un croquis de l'œuvre, et l'exécution, en grande partie, était faite par des aides et des collaborateurs presque anonymes, formés pendant quelques années pour servir le maître. Travailler pour Rubens était considéré comme un honneur, étant donné son immense prestige.

Rembrandt : L'âme du Baroque Hollandais

La peinture baroque néerlandaise est le prototype de ce que l'on a appelé le baroque bourgeois ou protestant. Le développement du protestantisme y provoque la disparition presque totale des images religieuses, réduisant le thème religieux à une faible représentation des scènes bibliques.

Le contexte de la peinture baroque néerlandaise

La Hollande est devenue une république dirigée par une société bourgeoise d'artisans et de commerçants. La clientèle des artistes est très différente de celle des autres pays, et de nouveaux thèmes apparaissent : des peintures réalistes de petite taille pour décorer les maisons de la bourgeoisie, ou de plus grandes pour la décoration des sièges des guildes.

Thèmes et clientèle de l'art hollandais

Ainsi, on trouve :

• Des portraits individuels sobres.
• Des portraits de groupe au ton dramatique.
• Des scènes d'intérieur et domestiques montrant les objets et la décoration des maisons de riches bourgeois.
• Des paysages et des scènes de la vie rurale.
• Des natures mortes recréant fidèlement les objets du quotidien.

La vie de Rembrandt : entre succès et tragédie

Avec Rembrandt, la peinture hollandaise atteint son apogée et élève l'art à son plus haut niveau. Contrairement à Rubens, c'est un homme sédentaire, entièrement consacré à son travail de peintre. À Amsterdam, il épouse Saskia, la plus jeune d'une famille de petite noblesse locale, avec qui il a un fils. La mort de Saskia et l'apparition dans sa vie d'une autre femme d'origine modeste, qu'il avait engagée pour prendre soin de son enfant, et avec qui il a commencé une relation sans pouvoir se marier (car il aurait perdu la succession de sa femme), augmentent le rejet d'une société puritaine, ce rejet étant la cause de la ruine de son commerce. Ces dernières années, la mort de sa compagne et de son fils a accru sa solitude, sa pauvreté extrême et la maladie dont souffrait un homme fatigué, qui ne vivait plus que pour son art. C'est dans ces années sombres que sa réflexion sur le vieillissement et le destin de l'homme atteint sa plus grande profondeur, et que ses œuvres deviennent les plus personnelles.

L'héritage artistique de Rembrandt : genres et techniques

L'héritage artistique de Rembrandt étonne par son abondance, notamment ses autoportraits, plus de 60. Le portrait est son genre de prédilection ; les êtres qui lui sont proches sont constamment représentés. Cependant, ses œuvres les plus ambitieuses sont les portraits de groupe (par exemple, «La Leçon d'anatomie du Dr Tulp», «La Ronde de nuit»). Dans les scènes de paysage, il préfère l'automne et l'hiver, distillant une douce tristesse, caractéristique de son humeur habituelle lorsqu'il peint. Ses gravures feront de lui l'un des plus grands artistes de ce genre.

Maîtrise de la lumière, de la couleur et des émotions

Rembrandt est l'un des plus grands maîtres de la couleur et de la lumière, avec un coup de pinceau libre et des empâtements larges et épais. La couleur est appliquée en couches épaisses, jusqu'à former une croûte poreuse. Parmi ses thèmes figurent la nuit et l'obscurité, avec des effets de lumière et des figures réfléchies. La vieillesse, qui lui permet d'attirer l'attention sur le thème de la condition humaine, de la pauvreté et de l'expérience. Dans les visages de ses derniers autoportraits s'expriment les émotions, la tristesse et le malheur. Les regards, c'est la peinture des yeux, des yeux fixant l'auditoire. Plus qu'un portrait de visages, le sien est un portrait des âmes ; contrairement au culte de la richesse de Rubens, il préfère se plonger dans la vulnérabilité de la vieillesse.