Poésie Espagnole : Modernisme, Génération de 98 et 27

La Poésie Espagnole avant 1939

1. Modernisme et Génération de 98

En Espagne, dans un premier temps, le terme modernisme désignait tous les écrivains qui avaient des pulsions novatrices et artistiques. Plus tard, ce terme a été réservé à ceux qui avaient une préoccupation particulière pour l'esthétique et qui adoptaient une attitude d'évasion et de fuite de la réalité quotidienne.

Thèmes modernistes :

• Le monde des sens : évocation de toutes sortes de sensations, atmosphères exquises avec des éléments étrangers (princesses, salons de Versailles, jardins magnifiques avec leurs étangs, cygnes, mythologie gréco-romaine, germanique, etc.).
• Le monde intérieur : toutes les questions relatives à la vie privée, parfois vives et sensuelles, et d'autres fois marquées par la tristesse, la mélancolie et la nostalgie.

Le terme Génération de 98 fut réservé à ceux qui adoptèrent une attitude de réflexion et de critique de la situation politique, sociale et économique de l'Espagne. Leurs œuvres visaient à éveiller la conscience de leurs concitoyens et à influencer la réalité sociale espagnole.

Les questions de la Génération de 98 :

• La question de l'Espagne : la terre d'Espagne, qu'ils voyagent et décrivent (et plus particulièrement le paysage castillan dont ils découvrent la beauté), et l'histoire de l'Espagne, en particulier ce qu'Unamuno appelait "l'intrahistoire". La Castille (antimercantile, austère et spirituelle) représente l'âme de l'Espagne.
• Préoccupations existentielles : ils s'interrogent sur le sens de l'existence humaine, le passage du temps, la mort.

Parmi les poètes modernistes et de la Génération de 98, on peut citer :

• En Amérique latine : Rubén Darío.
• En Espagne : Francisco Villaespesa, les frères Manuel et Antonio Machado (l'époque de « Solitudes, Galeries et autres poèmes », son œuvre est souvent classée plus tard parmi la Génération de 98), Valle-Inclán, et Juan Ramón Jiménez.

Antonio Machado (1875-1939)

Dans sa poésie, on observe une évolution du modernisme des premiers livres vers une recherche du mot simple et vrai.

1. Étape moderniste : "Solitudes, Galeries et autres poèmes." Le modernisme se manifeste dans l'intime (l'expression des émotions). Il s'intéresse à l'expression de l'amour, au fil du temps, à la conscience de la mort, à Dieu... C'est une poésie symboliste : l'après-midi, la route, la rivière, l'arbre sont des symboles de réalités plus profondes, d'humeurs ou d'obsessions intimes.
2. Étape de la Génération de 98 : "Campos de Castilla." Reflet de la réalité de l'Espagne, de sa terre et de ses habitants. Il y a une attitude critique qui témoigne du retard, de la pauvreté, des inégalités et de l'injustice.
3. Préoccupations philosophiques : préoccupations et réflexions philosophiques, couvrant des poèmes et des proses qui explorent le subjectivisme et l'objectivisme. Cette étape est représentée par Nuevas Canciones (1924) et ses derniers poèmes, regroupés en différentes séries poétiques : Cancionero apócrifo, Abel Martín et Juan de Mairena.

2. Le Novecentismo ou Génération de 14

Mouvement culturel caractéristique de la deuxième décennie du XXe siècle espagnol. Le déclin du modernisme est évident et de nouvelles tendances littéraires prônent une littérature différente. L'importance de la date de 1914 (début de la Première Guerre mondiale et apparition publique de la "Ligue pour l'éducation politique", regroupant des intellectuels tels qu'Ortega y Gasset, Manuel Azaña, Américo Castro, etc.) a fait que les Novecentistas sont aussi souvent appelés la "Génération de 14". Leurs caractéristiques esthétiques principales sont :

• Rationalisme : grande importance accordée à la rigueur intellectuelle et à la clarté de la présentation.
• Antiromantisme : rejet du sentimental et du passionnel ; préférence pour les attitudes classiques, équilibrées et sereines.
• Défense de "l'art pur" : l'art doit suffire à donner du plaisir esthétique sans être un véhicule pour des considérations religieuses ou politiques. Ortega y Gasset parle de "déshumanisation de l'art" : "Le poète commence où l'homme finit."
• Aristocratie intellectuelle : l'art et, par conséquent, la littérature sont conçus pour les élites ("pour la minorité immense", selon les mots de Juan Ramón Jiménez).

Juan Ramón Jiménez (1881-1958)

Prix Nobel de littérature en 1956, la poésie de Juan Ramón Jiménez est, selon les mots du poète, un poème en devenir, un travail en cours. La nécessité de fournir un échantillon général de l'état de son travail a conduit le poète à réaliser plusieurs anthologies. Le poète lui-même a distingué, dans ses dernières années, trois étapes dans sa production :

• Étape sensitive (jusqu'à 1916) : marquée par l'influence de Bécquer, le symbolisme et le modernisme. C'est une poésie sentimentale et affective : Arias tristes (1903), Jardines lejanos (1904), La Soledad Sonora (1911), Platero y yo (prose poétique, 1914) et Estío (1916), entre autres.
• Étape intellectuelle (1916-1936) : expression de l'expérience sans ornements rhétoriques. Cette étape est marquée par la publication en 1916 de Diario de un poeta recién casado, qui rompt définitivement avec le modernisme et ouvre la poésie espagnole à l'innovation d'avant-garde.
• Étape dernière ou vraie (1937-1958) : entièrement écrite pendant son exil américain. Juan Ramón continue de se renouveler à la recherche de la beauté et de la perfection. Son désir de transcendance l'amène à s'identifier à Dieu : Animal de fondo (1949), En el otro costado (1936-1942) et Dios deseado y deseante (1948-49).

3. Avant-garde et Génération de 27

L'avant-garde espagnole (1910-1920) est un mouvement éphémère dont le créateur et représentant principal est Ramón Gómez de la Serna. Il marque une rupture avec toutes les publications antérieures et sert de point de départ à des auteurs tels que Rafael Alberti et Federico García Lorca. Ce mouvement englobe toutes les tendances d'avant-garde ("-ismes").

• Futurisme et Cubisme : célèbrent la beauté de la vitesse et des machines.
• Ultraïsme : défini par le désir de choquer et par la libre association des images.
• Surréalisme : croit qu'il peut faire naître un homme nouveau. La culture occidentale a mutilé l'homme par la raison ; il faut mettre en lumière la réalité qui se cache derrière la raison et stimuler l'imagination, le désir, le rêve, l'enfance. Il est entré en Espagne et a fortement influencé les auteurs mentionnés ci-dessus, notamment dans Sobre los ángeles de Rafael Alberti et Poeta en Nueva York de Lorca.

Il convient également de noter l'importance qu'ont eue pour l'avant-garde espagnole les travaux théoriques d'Ortega y Gasset, avec des livres tels que La rebelión de las masas et des revues telles que Revista de Occidente.

La Génération de 27

Cette génération est composée d'un groupe de dix poètes qui partagent une admiration commune pour Góngora et la création d'une poésie qui allie l'intellectuel à l'émotionnel, atteignant un équilibre parfait. Ces auteurs parviennent à concilier la pureté esthétique et l'authenticité humaine, la minorité et la majorité, l'universel et l'espagnol, etc., le tout reposant sur une rénovation métrique majeure caractérisée par l'importance accordée au rythme et aux ressources métriques traditionnelles. Parmi les membres du groupe, on trouve : Pedro Salinas, Jorge Guillén, Gerardo Diego, Dámaso Alonso, García Lorca, Vicente Aleixandre, Rafael Alberti, Luis Cernuda, Emilio Prados et Manuel Altolaguirre.

L'une des caractéristiques du groupe est la recherche d'un équilibre entre les extrêmes :

• Entre l'intellectuel et le sentimental.
• Entre une conception quasi mystique de la poésie et un aperçu complet du développement du poème.
• Entre la pureté esthétique et l'authenticité humaine.
• Entre la minorité et la majorité. Leurs poèmes alternent entre le secret et la clarté, la culture et le populaire.
• Entre l'universel et l'espagnol, ce qui mène à l'opposition entre tradition et renouveau. Ils partagent un goût pour les innovations d'avant-garde et une admiration pour les classiques.

Évolution ou étapes du groupe de 27

Selon Dámaso Alonso et Luis Cernuda, il existe trois étapes différentes :

1. Jusqu'à 1927 : ton initial avec une forte présence de Bécquer, rejet du modernisme et influences d'avant-garde. Juan Ramón les conduit à une poésie pure (métaphore), ce qui provoque un rapprochement avec l'art déshumanisé et la poésie populaire (Marinero en tierra d'Alberti, ou Libro de poemas de Lorca).
2. De 1927 à la guerre civile : en 1927, le groupe atteint son apogée et les idéaux esthétiques déclinent. On peut parler d'une communication intime et amicale avec le monde et le lecteur, comme c'est le cas dans Romancero gitano de Lorca. Avec l'avènement du surréalisme, l'attention se porte d'abord sur les émotions humaines éternelles (amour, désir d'accomplissement, problèmes existentiels). C'est un moment de poésie humaine et passionnée, avec des accents sociaux et politiques. Des livres comme Sobre los ángeles (Alberti), Poeta en Nueva York (Lorca) et Los placeres prohibidos et Donde habite el olvido (Cernuda) se distinguent.
3. Après la guerre : après la guerre civile et la mort de Lorca, le groupe se disperse (à l'exception d'Aleixandre et de Gerardo Diego). Chacun suit une direction poétique propre, sans abandonner les sentiers de la poésie humaine. On observe une poésie de témoignage, montrant la nostalgie de la patrie perdue et le déracinement. L'attribution du prix Nobel de littérature à Vicente Aleixandre en 1977 confirme la plénitude poétique d'un groupe qui a apporté un nouvel âge d'or à la poésie espagnole.

Poètes de la Génération de 27

Federico García Lorca (1898-1936)

Né à Fuentevaqueros (Grenade), il a étudié le droit et la philosophie. À Madrid, il a séjourné à la Residencia de Estudiantes, où il a fait la connaissance d'intellectuels de tout le pays. En plus d'être poète, il s'est consacré à la musique et à la peinture. Au cours de sa vie, marquée par le succès, il a cultivé la poésie et le théâtre avec le même talent. Il est aujourd'hui considéré comme l'un des auteurs majeurs de l'histoire littéraire espagnole. Il a été fusillé près de Grenade en raison de son soutien à la République.

Œuvre poétique de Lorca (étapes) :

• Première étape : Libro de poemas (souvenirs d'enfance comme paradis perdu), Canciones et Poema del cante jondo relèvent du populisme poétique (ballades, chansons, structures parallèles), avec des influences du modernisme (vers dodécasyllabiques et alexandrins...). Romancero gitano est une œuvre dominée par la frustration et le destin tragique, l'âme de l'Andalousie, mais aussi une vision mythique de la vie humaine. On remarque les métaphores sensorielles et les adjectifs.
• Deuxième étape : Poeta en Nueva York. L'art surréaliste reflète l'expérience de son voyage à New York en 1929 : images irrationnelles, énumérations chaotiques... Il critique la déshumanisation, la pauvreté et le manque de solidarité des grandes agglomérations urbaines.
• Llanto por Ignacio Sánchez Mejías est une élégie de plus de deux cents vers consacrée au torero et ami, mort dans l'arène de Manzanares. On y trouve des images irrationnelles, des personnifications et des synesthésies.
• D'autres œuvres incluent Diván del Tamarit (poèmes d'un lyrisme intime et tourmenté, utilisant les formes de la poésie arabe classique, appelées "casidas" et "gacelas"), Seis poemas galegos et Sonetos del amor oscuro (l'amour obscur = amour aveugle ; est présent non seulement l'amour du sentiment et du cœur, mais aussi l'amour de la chair).

Luis Cernuda (1902-1963)

Cernuda est le plus becquerien, romantique, sentimental et passionné de la Génération de 27. Ses œuvres principales sont Los placeres prohibidos et Donde habite el olvido.

• Dans Los placeres prohibidos (1931), on note l'influence du surréalisme dans les images oniriques. Il exprime ses problèmes intimes découlant de son homosexualité et son aspiration à un amour sans entraves.
• Donde habite el olvido (1934) (l'expression est tirée d'un vers de Bécquer) présente une poésie intimiste et austère, avec peu d'adjectifs et une recherche de naturel. Il exprime son inquiétude face à l'écart entre ses aspirations et la réalité.

En 1936, il réunit tous ses poèmes sous le titre La realidad y el deseo, mots qui reflètent le conflit central de sa vie : le désir d'aimer et la liberté personnelle face aux contraintes imposées par l'environnement social. Ce recueil a connu plusieurs éditions, intégrant la production de l'exil : Las nubes (aborde le problème de l'Espagne et de la guerre à distance, depuis l'exil), Como quien espera el alba et Vivir sin estar viviendo (œuvres de nostalgie, de souvenirs, gouvernées par l'obsession du passage du temps) et Desolación de la Quimera, son dernier recueil, publié à titre posthume en 1962, qui intègre l'un de ses poèmes les plus célèbres, "Díptico español".

Thèmes : la passion amoureuse, la solitude, l'ennui, le désir d'un monde plus habitable, l'exaltation de la beauté. Et, à la maturité, la nostalgie et le souvenir de l'Espagne, la réflexion sur le passage du temps, la vieillesse et la mort, et un amour plus contemplatif.

Rafael Alberti (1902-1999)

D'un point de vue chronologique, la poésie d'Alberti peut être divisée en plusieurs étapes :

1. Néopopularisme : dans Marinero en tierra, il se souvient du paradis perdu de son enfance à Cadix. Formellement, il s'inspire des structures de la poésie traditionnelle : parallélisme, refrains, anaphores, répétitions, vers octosyllabiques, parfois mélangés à des vers plus courts.
2. Baroque et avant-garde : dans Cal y canto, il aborde les thèmes du monde moderne : un ticket de tramway, un gardien de but de football. La langue est très élaborée et les poèmes difficiles.
3. Surréalisme : dans Sobre los ángeles, reflet d'une crise personnelle vécue en 1929, le poète, chassé du Paradis, est faible, sans espoir, dans un monde dépourvu de sens, en proie à des "anges bons ou mauvais" qui représentent ses obsessions. Le vers est varié, allant de courts poèmes à de longs vers.
4. Poésie engagée : il écrit de la poésie pour la République ou d'engagement social (El poeta en la calle).
5. Exil : la préoccupation sociale reste présente dans ses poèmes, ainsi que la nostalgie (Retornos de lo vivo lejano et Baladas y canciones del Paraná).

Vicente Aleixandre (1898-1984)

Style : jusqu'à la trentaine, il évolue dans l'orbite de l'avant-garde : poésie pure, surréalisme. À partir d'Espadas como labios (1932), ses poèmes tendent vers la méditation, la sobriété, et recherchent une expressivité naturelle, un ton de conversation.

On distingue trois étapes dans son œuvre :

• Poésie d'avant la guerre civile : formellement, il utilise le vers libre. C'est une étape fortement influencée par le surréalisme. Deux titres majeurs : Espadas como labios et La destrucción o el amor. Dans Espadas como labios, le thème central est l'amour comme force destructrice ; la passion amoureuse se confond avec la passion de la terre ; le sentiment amoureux permet à l'homme de s'intégrer au cosmos, auquel il appartient. La destrucción o el amor poursuit dans la même veine, avec un ton pessimiste. Le poète exprime souvent le désir de fusionner avec la nature ; l'être humain fait partie de la nature et désire fusionner avec elle (matérialisme mystique) ; la fusion amoureuse (amour passionnel) est comme une simulation, car la réalisation de cette union ne se fait qu'avec la destruction de la mort, destruction vitale, car elle permet de transcender la réalité purement individuelle.
• Poésie des premiers jours de l'après-guerre : Sombra del paraíso (1944) est écrite après la guerre civile ; la poésie espagnole tend alors à la relance du surréalisme d'avant-guerre. Depuis la détresse (la dure après-guerre), il évoque le paradis avant l'apparition de l'homme sur Terre, l'Éden biblique, le monde des rêves d'enfance, mais aussi le monde non contaminé. Historia del corazón (1954) marque une réhumanisation de sa poésie. Le poète reconnaît l'autre et l'être humain passe au premier plan, déplaçant la nature. Les concepts clés sont désormais la solidarité, la lutte, l'effort collectif.
• Poésie de la vieillesse : dans Poemas de la consumación (1968), dominée par la réflexion et la méditation, le poète aborde la question de la fin de vie, qu'il sent proche. Il voit la mort comme une intégration au cosmos ("respirer la terre souterraine"). Il accepte la mort sans angoisse, sans sens religieux, mais simplement.

Pedro Salinas (1891-1951)

Initialement, il a cultivé une poésie influencée par l'avant-garde, qui se manifestait par un intérêt pour les objets de la vie moderne : les voitures, le cinéma, la lumière électrique.

Dans sa période de plénitude, le thème central de sa poésie est l'amour : La voz a ti debida, Razón de amor et Largo lamento (titres tirés respectivement d'un vers de Garcilaso de la Vega, d'une pièce de la littérature médiévale et de la Rime XV de Bécquer).

En exil, sa poésie prend une coloration plus dramatique et préoccupée (comme le poème "Cero" sur la bombe atomique). Son dernier livre, Confianza (1955), est un recueil de souvenirs joyeux de la vie vécue.

Style : il utilise des phrases courtes avec peu d'adjectifs, des constructions nominales et un lexique simple ; préférence pour les pronoms, les noms de substance, par rapport aux noms et adjectifs qui désignent l'accidentel. Cependant, sa poésie est complexe en raison de sa concentration expressive et intellectuelle. Il utilise principalement le vers libre ou une combinaison de vers héroïques avec des vers plus courts.

Jorge Guillén (1893-1984)

Il est le représentant suprême de la poésie pure. Ses deux œuvres majeures sont Cántico et Clamor. Cántico a pour thème l'enthousiasme pour le monde et la glorification de la vie. Le poète jouit de la contemplation de la création tout entière ; il dit : "Le monde est bien fait." Clamor témoigne de la douleur et du mal, de l'injustice, de la misère, de la guerre ; il dit maintenant : "Ce monde de l'homme est mal fait."

Style : il utilise un langage très concentré. Il préfère les phrases courtes, le style nominal, l'infinitif et les exclamations monosyllabiques. Il emploie des strophes traditionnelles basées sur des vers courts.

Gerardo Diego (1896-1987)

Ses œuvres sont généralement classées en deux groupes :

1. Poésie de création : également appelée "absolue", avant-gardiste. Ce sont les années de l'"ultraïsme" et du "créationnisme" (vers libre, images inattendues, poésie visuelle et objet). Des livres comme Imagen et Manual de espumas.
2. Poésie d'expression ou poésie de tradition : également appelée "relative", elle se réfère à la poésie traditionnelle, incluant des œuvres comme El romancero de la novia (1918), Versos humanos (1925) et Alondra de verdad (1941). La métrique utilisée est classique : ballades, sonnets, etc.

Dámaso Alonso (1898-1990)

Il est considéré comme le porte-parole de la Génération de 27. Ses études stylistiques sont très appréciées. En tant que poète, il est d'un niveau inférieur à ses pairs. Il a commencé dans la poésie pure, mais son meilleur travail est sans aucun doute Hijos de la ira (1944), une œuvre clé de l'après-guerre civile espagnole. C'est une œuvre de "poésie déracinée" : le monde est chaos et angoisse ; la poésie est une recherche effrénée de sens et d'ancrage. C'est donc une poésie existentielle. Hijos de la ira est un cri de protestation contre l'injustice, la haine, la cruauté. Le poète interroge Dieu sur le sens de tant de pourriture. C'est une œuvre écrite en vers libres.