Théâtre espagnol (1900–1980) : tendances, auteurs et oeuvres

Situation générale du théâtre espagnol (fin XIXe–1936)

Depuis la fin du XIXe siècle jusqu'en 1936, on trouve un théâtre étroitement lié au renouvellement des modèles et aux tentatives de théâtre expérimental. En conséquence, on ne peut pas concevoir une histoire du théâtre européen de la première moitié du XXe siècle sans tenir compte du travail de Valle-Inclán et de Federico García Lorca, qui occupent une place de premier plan. Cette situation explique la scène théâtrale du premier tiers du siècle, dont les différentes tendances peuvent être divisées en :

Tendances principales

a) Les triomphes du théâtre : Suite logique de ce qui s'était développé dans la seconde moitié du XIXe siècle. Parmi les auteurs de cette ligne figurent Jacinto Benavente et son école. Le drame en vers, néo-romantique, très influencé par le modernisme, reste présent.

Le théâtre innovant

Le théâtre se veut innovant : il apporte de nouvelles techniques et des formes spectaculaires. On y trouve notamment les auteurs de la génération de 1898 (Unamuno, Azorín, ...).

Jacinto Benavente

Jacinto Benavente était un écrivain polyvalent, capable d’aborder avec succès presque tous les genres théâtraux tels que la comédie, la tragédie ou le drame. Parmi ses principales caractéristiques, on peut souligner :

• La grande variété des milieux dans lesquels il a situé ses travaux ;
• L'abondance de types humains et de personnages, ainsi que leur caractérisation remarquable ;
• Une connaissance presque parfaite de toutes les ressources scéniques et la capacité à produire des effets pour les actions aux conséquences dramatiques ;
• Une touche d'ironie, subtile et délicate.

Trois mots définissent bien son travail : le réalisme, le naturalisme et la vraisemblance. Son théâtre se spécialise notamment dans la comédie bourgeoise et la grande comédie. Ce genre théâtral est caractérisé par la réflexion sur les conflits de la bourgeoisie ; on y trouve des pièces relevant du théâtre de mœurs et de la comédie. Il répond à une vie idéalisée, à l'auto-indulgence et à l'actualité sociale. Les décors pittoresques mettent en scène des types populaires accomplissant les activités quotidiennes. L'humour repose sur des personnages attachants et sur un langage castizo.

Représentants du théâtre de mœurs

Les meilleurs représentants de ce type de théâtre ont été Carlos Arniches, Benito Pérez Galdós et les frères Serafín et Joaquín Álvarez Quintero. Les frères Álvarez Quintero possèdent un théâtre qui n'a rien d'exactement précis quant à la comédie de mœurs en général, bien qu'il faille souligner leur savoir-faire pour représenter le dialogue populaire et l'humour enjoué. Parmi leurs pièces les plus notables figurent, parfois citées, Malvaloca, La femme de Puebla, Le Cain et Mariquita.

Benito Pérez Galdós

Benito Pérez Galdós est plus célèbre pour ses romans que pour son théâtre, et en général ses œuvres théâtrales les plus importantes datent d'avant le XXe siècle. Toutefois, au cours du XXe siècle, il conserve une certaine pertinence, avec les caractéristiques suivantes, communes à une partie de son œuvre :

• Maîtrise de l'usage du langage populaire pour les dialogues ;
• Évitement des artifices du réalisme compliqué, tendance vers un langage plus direct et clair.

Parmi ses pièces de cette période figurent : Électre, Mariucha, Grand-père, Barbara, Celia en enfer.

Le drame poétique

Le drame poétique est très populaire, avant et après la guerre : les auteurs écrivent en prose poétique qui présente une vision de la vie conviviale, ironique et sympathique. Il est intimement lié à la modernité dans ses aspects formels et thématiques. On y trouve :

• Un mélange d'humour, de tendresse et de nostalgie ;
• Des personnages qui professent une passion pour la fantaisie et recherchent le bonheur par l'amour ou d'autres moyens ;
• Des sujets principaux comme les conflits entre réalité et fantasme, l'incapacité à vivre dans l'illusion, et la défense de l'amour, de la compréhension et de la liberté.

Manuel Machado

Manuel Machado est un auteur dont les œuvres parlent davantage de leurs terres que des thèmes classiques du modernisme. Cela se reflète dans plusieurs pièces andalouses. Ses œuvres majeures de cette période sont notamment : La duchesse de Benamejí, La prima Fernanda, Juan de Mañara, Los de Adelfas. Sa pièce la plus importante a sans doute été La Lola va aux ports.

Les tentatives de renouvellement théâtral

Les tentatives de renouvellement théâtral s'appuient sur les avancées techniques telles que l'éclairage électrique, de nouvelles possibilités scéniques et l'apparition du cinéma comme art. Le renouvellement est renforcé par l'apport théorique d'intellectuels craignant que le théâtre ne se limite plus à un public bourgeois mais devienne un engagement culturel des classes populaires. En Espagne, parler de la rénovation du théâtre dans le premier tiers du XXe siècle, c'est parler de Valle-Inclán et de l'esperpento.

Valle-Inclán et ses périodes

Dans son théâtre, Valle-Inclán est généralement divisé en cinq périodes :

1. Cycle moderniste : œuvres comme Le marquis de Bradomín (1906) et Le désert des âmes (1908).
2. Cycle mythique : Divine Comédie: Mots barbares (1920).
3. Cycle de la farce : œuvres comme Tablado de marionnettes pour l'éducation des princes.
4. Cycle grotesque : comprend Les Lumières de Bohème (1920 et 1924) et le volume Mardi Gras (1930).
5. Cycle final : dans cette dernière étape Valle propose une fin dramatique qui se caractérise par la présence de l'irrationnel et de l'instinctif, des personnages déshumanisés, des schémas guignolesques et une technique de distorsion.

Son œuvre est caractérisée par la génération qui allie classiques et innovation, sans sacrifier l'un ou l'autre. Le style se caractérise principalement par la métaphore et l'image ; en termes de sujets il traite de l'amour, des préoccupations sociales, des tensions intimes et de la mort dans un sens tragique. Le groupe dramatique y est abondant.

Federico García Lorca

Federico García Lorca est un auteur de renom dans le théâtre espagnol du XXe siècle. Son théâtre est poétique au sens où il tourne autour de symboles fondamentaux (le sang, le couteau, la rose) et se déroule souvent dans des espaces mythiques où le réalisme est transcendé, pour affronter des problèmes existentiels. Son style est marqué par le symbolisme et par une influence nette de Lope de Vega et de Calderón de la Barca, notamment dans l'utilisation du vers dans les drames.

Il est connu pour traiter des thèmes de fatalisme grec dans une Andalousie tragique et moderne, tout en donnant une dimension réelle aux environnements et aux conflits. Parmi ses œuvres : Mariana Pineda (1927), Bodas de sangre (Noces de sang).

Le théâtre d'après-guerre

Une fois la guerre terminée, les autorités considéraient que le théâtre pouvait servir d'onguent pour tenter de surmonter les blessures morales et psychologiques produites par le conflit. Ainsi commença une production dramatique souvent de faible qualité mais applaudie par un public enthousiaste. En plus de nouvelles représentations, largement conditionnées par la censure et basées principalement sur l'exaltation idéologique, on reprit des classiques de la littérature espagnole (surtout de l'Âge d'Or) et on adapta des œuvres étrangères.

Dans ce cadre, apparaissent des auteurs comme Alejandro Casona et Max Aub. Certains auteurs étaient en exil. Un exemple de pièce collaborative est Ni pauvre ni riche, mais plutôt le contraire (1943) écrite avec l'auteur Jaén Lara Antonio Tono.

Le théâtre de critique sociale

Au cours des années cinquante et soixante en Espagne se développe un théâtre qui tente de refléter la réalité sociale quotidienne avec un objectif clair de dénonciation. C'est un théâtre engagé qui rejette les fantasmes et les idéalités. Il condamne les dures conditions de travail, la déshumanisation bureaucratique, la situation des travailleurs et les injustices sociales. Le théâtre devient alors la voix des classes populaires. Évidemment, ce genre subit fréquemment la censure : le régime de Franco ne tolère pas les critiques.

Antonio Buero Vallejo

Antonio Buero Vallejo (1916-2000) : Buero a été condamné à la peine capitale par le régime franquiste. En prison, il rencontre Miguel Hernández, qui influence l'un des portraits les plus célèbres de l'auteur d'Alicante. En 1949, Buero est gracié et publie la même année l'une des pièces les plus importantes de la littérature espagnole : Histoire d'une échelle. Elle raconte l'histoire de trois générations de voisins, leurs espoirs et leurs échecs, en symbole de la vie dans tout le pays.

Théâtre commercial (années 1950–1960)

Dans les années cinquante et soixante, des auteurs comme Poncela, Jardiel, Mihura, Luca de Tena, Pemán ou d'autres plus jeunes ont commencé à publier pour atteindre un large public. Alfonso Paso se distingue par un théâtre à visée sociale claire, avec des pièces comme Étude CAO (1952) et Les pauvres choses (1957), œuvres rapidement populaires auprès d'un public bourgeois habitué à ce type de représentation. Ses pièces se distinguent par la grâce du dialogue et la singularité des situations et des personnages.

Antonio Gala, aujourd'hui très connu, cultive divers genres et présente souvent des œuvres à la fois poétiques et humoristiques. Il commence sa carrière avec Les champs verts d'Éden (1963), teintée de social et de romantisme, qui met en scène une famille contrainte de vivre dans leur caveau familial.

Théâtre expérimental (fin des années 1960–années 1970)

À partir des dernières années de la décennie 1960 et tout au long des années 1970, certains auteurs, sortant du drame social traditionnel, cherchent de nouveaux moyens loin du réalisme d'expression. Ils développent un théâtre expérimental visant à renouveler le drame. Les caractéristiques principales de ce nouveau théâtre sont les suivantes :

• Recherche d'un spectacle total où l'argument passe parfois à l'arrière-plan au profit des effets sonores, de la lumière, du langage du corps, des projections sur écrans géants, etc. ;
• Intégration de techniques provenant d'autres arts du spectacle : cirque, théâtre de marionnettes, cabaret, défilés de mode ;
• La vision réaliste du drame social disparaît au profit d'un théâtre symbolique et parabolique, sans renoncer à la protestation et à la dénonciation, face à la dure réalité du dernier stade du régime franquiste ;
• Les personnages tendent à être symboliques, représentant davantage des notions ou des institutions ;
• La communication visuelle et corporelle devient aussi importante, voire plus, que la communication orale.

Fernando Arrabal

Fernando Arrabal est l'auteur espagnol le plus connu à l'étranger parmi ceux de ce courant. Exilé en France, il écrit en français et en espagnol, avec un grand succès. Ses pièces se caractérisent par un mélange de surréalisme, de grotesque et d'absurde, toujours à la recherche de la provocation. Il aborde des sujets tels que l'érotisme, l'opposition à la guerre et à la tyrannie, ou l'absurdité de la religion. Ses œuvres furent interdites pendant la dictature de Franco. Depuis la transition démocratique, il connaît un certain succès, même si quelques représentations n'ont peut-être pas atteint toute la portée attendue.

Des années 1980 à nos jours

Sur les vingt dernières années (jusqu'à la fin du XXe siècle et au-delà), l'Espagne a connu une prolifération de nouveaux auteurs qui se mêlent aux figures déjà établies. On trouve une grande variété de tendances, avec des auteurs confirmés et des auteurs émergents coexistant sur les mêmes scènes. Des dramaturges importants comme Sastre, Antonio Gala, Francisco Nieva, Fernando Arrabal continuent, dans une mesure plus ou moins importante, d'être présents aujourd'hui.

Auteurs récents remarquables

• José Sanchis Sinisterra (1940) : auteur d'une œuvre vaste, il a connu un grand succès avec ¡Ay, Carmela! (1986), pièce basée sur la guerre civile espagnole. D'autres travaux importants sont Bric et broc et Les poux et les acteurs (1980).
• Ana Diosdado (1940) : fille de comédiens, en contact avec le théâtre depuis l'enfance. Une de ses réussites les plus remarquables est Vous pouvez aussi en profiter (1973), une pièce controversée qui met en lumière la condition féminine. Une autre œuvre importante est Les années quatre-vingt sont à nous (1988).

Note : Tous les noms d'auteurs et les titres d'œuvres ont été respectés. Ce panorama présente les grandes lignes et les représentants principaux du théâtre espagnol du début du XXe siècle jusqu'à la période contemporaine.